A última sessão

O Artista, de Michel Hazanavicius (2011)

2012-02-14T19:50:00.004Z

Li algures que «O Artista» é um daqueles filmes para dividir opiniões. E pelo que me tinha apercebido, antes de o ver, foi essa a sensação com que fiquei. Há quem tenha gostado muito e há quem não tenha gostado nada. Eu tendo a inclinar-me para o segundo campo. Apesar de reconhecer que em alguns casos até nem seja um mau filme, acho que ao mesmo tempo «O Artista» é um filme que oferece diferentes leituras consoante quem o vê. Quem não conhece (ou pelo menos não está tão habituado a ver) muito cinema mudo, achará que estamos perante um grande filme. E daí este ser mesmo um daqueles filmes que está a amealhar nomeações e prémios um pouco por toda a parte, o que só ajuda a criar o hype (ai o hype...) que as nomeações para os Óscares apenas vieram ajudar. Pelo contrário, a maioria dos conhecedores e amantes do cinema mudo poderão ver «O Artista» apenas como um mero simulacro de um filme mudo. O que no fundo é disto que se trata.

Em «O Artista» Michel Hazanavicius leva-nos ao final dos anos 1920 para contar a história de George Valentin (Jean Dujardin), um galã do período do mundo cuja popularidade é ameaçada pela chegada do som à Sétima Arte. O que é visto por muitos como o futuro do Cinema, para George não é mais do que um falhanço, pois acredita que as pessoas vão ao cinema para ver os actores como ele e não para os ouvir falar. Em paralelo, o filme acompanha a ascensão de Peppy Miller (Bérénice Bejo), uma jovem mulher que começa como figurante num filme de George, empurrada pelo próprio, e acaba por se tornar uma das maiores estrelas do sonoro.

Além de uma história pouco original, «O Artista» falha em vários aspectos. Tem alguns bons pormenores, sobretudo a nível da banda sonora, mas pouco mais. Não servirá para trazer novos públicos para o mudo (e seria esse o objectivo do filme?), nem irá provocar um certo sentimento de nostalgia junto dos fãs deste período do cinema, pois não passa da rama.

Com muitas mais limitações os realizadores da altura fizeram um trabalho muito melhor, os exemplos de grandes filmes mudos são mais que muitos. E sobre este tema um senhor chamado Billy Wilder já tinha feito em 1950 uma das grandes obras-primas do cinema («O Crepúsculo dos Deuses»), que basta para remeter «O Artista» para não mais do que uma nota de rodapé na História do Cinema. Mesmo que, como não será de estranhar, venha a receber uma mão cheia de estatuetas douradas na próxima cerimónia dos Óscares.

Nota: 2/5

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Banda Sonora: Satisfaction, de The Rolling Stones

2012-02-13T22:22:00.002Z

«Satisfaction», de The Rolling Stones - Banda Sonora de «O Homem das Estrelas», de John Carpenter

O Homem das Estrelas, de John Carpenter (1984)

2012-02-12T09:25:00.003Z

Quem conhece a obra de John Carpenter poderá achar «O Homem das Estrelas» um filme um pouco estranho, pois na altura o realizador norte-americano apenas se tinha aventurado em filmes de terror ou acção. Ainda hoje, dando uma vista de olhos pelo conjunto da cinematografia de Carpenter, à primeira vista este «O Homem das Estrelas» pode ser considerado quase como uma carta fora do baralho. O único ponto em comum é o facto de ser um filme de ficção científica, território que já tinha sido visitado pelo cineasta na excelente estreia («Estrela Negra») e em «Veio do Outro Mundo», um dos seus melhores filmes.

Mas se calhar até nem será assim tão estranho, se atentarmos a alguns pormenores, como a crítica a uma certa autoridade, patente em vários filmes de Carpenter. O homem das estrelas que dá título ao filme é um extra-terrestre (Jeff Bridges) que vem ter à Terra depois de o seu planeta ter recebido uma sonda espacial com mensagens terrestres em várias línguas e com algumas músicas que representam a nossa cultura. A premissa não é nada de especial, este tipo de sondas foram mesmo lançadas para o espaço e este foi o pretexto utilizado para o filme. À chegada à Terra o extra-terrestre assume a forma do falecido marido de Jenny Hayden (Karen Allen) e quando o governo dos EUA começa uma perseguição ao homem das estrelas, ela acaba por ajudá-lo a ir ter com os seus companheiros. Esta fuga vai decorrer ao longo de todo o filme.

Não sendo uma obra típica dentro do universo carpenteriano, e talvez muitos dos fãs do realizador não gostem tanto dele como de outras obras, «O Homem das Estrelas» é um belo filme sobre alguém inadaptado em fuga. A crítica ao comportamento das autoridades, que basicamente não sabem o que fazer perante algo estranho a não ser tentar destruí-lo, é um dos aspectos que podemos ver noutros filmes do cineasta. Mas ao contrário de «Veio do Outro Mundo», por exemplo, este ser alienígena não vem para causar nada de mal, antes em descoberta, tal como os humanos fizeram ao lançar a sonda, o que faz com que a decisão do exército seja ainda mais incompreensível.

Além de uma história de amor que acaba por nascer entre as duas personagens principais, «O Homem das Estrelas» conta com duas grandes interpretações, sobretudo a de Jeff Bridges, que lhe garantiu a terceira nomeação para os Óscares. Outro dos destaques do filme são os efeitos especiais, que curiosamente, quase 30 anos depois da estreia, parece que não envelheceram. Este é um daqueles filmes que poderá não agradar assim tanto aos fãs de Carpenter, mas de certeza que quem não gosta das principais obras do realizador é capaz de gostar.

Nota: 4/5

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Tamanho Natural, de Luis García Berlanga (1974)

2012-02-11T09:31:00.004Z

Diz quem sabe que «Tamanho Natural» foi um filme atípico na carreira de Luis García Berlanga, apesar de o realizador espanhol o ter considerado como um dos seus filmes mais pessoais. Não conheço a obra do cineasta a não ser uma comédia (e que grande comédia, bastante recomendável, sobretudo nos dias de hoje com uma tal troika a pairar por aí) chamada «Benvindo, Mister Marshall», por isso é-me difícil julgar esse aspecto. Mas este filme não é uma comédia, apesar de em algumas sequências a vontade rir face ao caricato da situação de repente vem ao de cima.

Tudo começa com Michel (Michel Piccoli) a receber uma grande encomenda vinda do Japão, de algo que apenas sabemos que é um objecto com tamanho real. Assim que a encomenda é aberta, sai de dentro de uma enorme caixa uma boneca de borracha que Michel transforma na sua nova amante. Mas o que começa por ser um aparente fetiche, acaba por se tornar uma obsessão e a vida de Michel transforma-se completamente com esta nova relação, onde nem sequer faltam ciúmes.

Apesar de começar por parecer uma comédia e em alguns casos ser mesmo um filme que roça o surreal, bem ao estilo de Luís Buñuel (se calhar não é à toa que encontramos no grupo de argumentistas o nome de Jean-Claude Carrière, colaborador de Buñuel), «Tamanho Natural» é um filme que vai muito para além da simples história de um homem que se apaixona por uma boneca. Acaba também por ser um filme sobre a obsessão e o amor, pois é isso que acaba por acontecer a Michel, e que o leva no final a tomar a decisão que toma, completamente imprevisível e que nos deixa com um amargo de boca e a pensar como é que ele chegou aquele ponto. Um bom filme, bem diferente do realizador que tive oportunidade de conhecer com «Benvindo, Mister Marshall».

(Nota: não encontrando trailer no YouTube, deixo-vos um pequeno trecho do filme)

Nota: 4/5

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Masters of Horror: John Carpenter's Cigarette Burns, de John Carpenter (2005)

2012-02-10T09:00:00.001Z

Há alguns meses atrás acompanhei aqui uma série televisiva chamada «Masters of Horror». Muito resumidamente, este foi um projecto para TV criado em 2005/2006, dividido em duas temporadas, onde grandes realizadores com provas dadas no género do terror foram convidados a filmar episódios com cerca de uma hora. Na altura consegui assistir a todos os filmes da primeira temporada com uma excepção: «Queimaduras de Cigarro», logo o filme de um dos meus realizadores favoritos. Falo do mestre John Carpenter, que assina o episódio mais cinéfilo desta primeira série, tal é a quantidade de referências feitas ao longo do filme.

«Queimaduras de Cigarro» conta-nos a história de Kirby (Norman Reedus), o dono de uma sala de cinema com algumas dívidas para pagar, que aceita procurar a única cópia existente de um filme maldito chamado «Le Fin Absolue du Monde» em troca da quantia que irá servir para pagar o que deve. Apesar da aura misteriosa que rodeia o filme (supostamente só foi projectado uma vez e a sessão terminou tragicamente), e dos avisos que recebe, Kirby resolve levar a sua missão avante até encontrar a dita cópia. Mas não é só a busca que o atormenta, mas também outros aspectos do passado deste caçador de tesouros improvisado.

Este episódio foi o primeiro de dois que Carpenter filmou para a série e foi também o primeiro trabalho a seguir ao desastre (para alguns, pois para mim o filme não é mau de todo) chamado «Fantasmas de Marte». E nota-se a marca do realizador, logo na sequência inicial, com a banda sonora do piano a remeter para os seus títulos mais clássicos. O que vem a seguir é uma bela homenagem ao cinema de terror (e ao ver este filme só tive pena de não conhecer mais o género para conseguir apanhar todas as referências espalhadas) e mesmo à cinefilia levada ao extremo, que consegue ser mais violento do que a maioria dos filmes que passaram nesta primeira temporada, incluindo o muito badalado filme de Takashi Miike, «A Maldição». Não é o melhor episódio desta primeira temporada, mas anda lá perto. E assim chega ao fim a ronda pela série «Masters of Horror», que uma vez mais volto a aconselhar a todos os que se interessam pelo género. Talvez um dia também passe por aqui a segunda temporada.

Nota: 4/5

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Em Cartaz: Semana 09/02/2012

2012-02-09T20:06:00.004Z

Star Wars: Episódio I - A Ameaça Fantasma (3D), de George Lucas
Detenção de Risco, de Daniel Espinosa
A Dama de Ferro, de Phyllida Lloyd
O Que Há de Novo no Amor?, de Mónica Santana Baptista, Rui Santos, Hugo Martins, Tiago Nunes, Hugo Alves e Patrícia Raposo
Paixão, de Margarida Gil
Prometo Amar-te, de Michael Sucsy

Memento, de Christopher Nolan (2000)

2012-02-07T19:54:00.004Z

Por esta altura Christopher Nolan anda entretido de volta do terceiro e derradeiro capítulo de uma trilogia dedicada a Batman. Nada como voltar atrás no tempo e recuperar um dos filmes de culto da década passada, que deu praticamente a conhecer o nome do realizador. Realizado em 2000 «Memento» foi a segunda longa metragem de Nolan e teve logo direito a duas nomeações para os Óscares: Melhor Argumento Original e Melhor Montagem. São precisamente estes os dois grandes destaques do filme, a par de uma excelente interpretação de Guy Pearce, pois se não fosse a forma como o filme foi editado, talvez o efeito final não fosse o mesmo.

«Memento» conta-nos a história de Leonard Shelby (Guy Pearce) um homem que sofre de uma estranha doença que faz com que não tenha memória de curto prazo. Ou seja, lembra-se de tudo o que lhe aconteceu no passado, até um determinado incidente ter ocorrido na sua vida (a violação e morte da sua esposa), mas a sua memória não consegue fixar o que fez há apenas uns minutos atrás. A lembrança da tragédia faz com que Leonard queira procurar o assassino para vingar a morte da esposa e recorre a um método sui generis: para se lembrar do que tem de fazer tatua o corpo com notas que o ajudam na investigação. A partir daqui, contar mais pormenores da história, é contar demasiado e estragar a surpresa.

E as surpresas são muitas neste filme, apesar de não serem assim tantas como seria de esperar. Como referi lá mais acima, o grande trunfo de «Memento» está na forma como foi editado, que nos dá a sensação de sermos quase o pobre Leonard Shelby à procura das memórias perdidas. De resto a história em si, se fosse contada de forma tradicional, acabaria por ser de certa forma um pouco banal. Vale também pela excelente interpretação de Guy Pearce, bem acompanhado de Joe Pantoliano.

Nota: 4/5

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Banda Sonora: I Put a Spell On You, de Natacha Atlas

2012-02-06T19:09:00.004Z

«I Put a Spell On You», de Natacha Atlas (original de Screamin' Jay Hawkins) - Banda Sonora de «Intervenção Divina», de Elia Suleiman

CINEdrio FC conquista primeira edição da Copa A Angústia do Blogger Cinéfilo no Momento do Penalty

2012-02-02T20:05:00.003Z

E terminou esta semana a primeira edição da Copa A Angústia do Blogger Cinéfilo no Momento do Penalty, com um triunfo para o CINEdrio FC, a equipa da casa. Agora é tempo de arrumar as botas e começar a preparar as equipas para a próxima edição do torneio. Antes disso, estão todos convidados a participar na escolha dos melhores jogadores da competição, bastando para tal seguir este link e votar nos realizadores que acham que devem integrar a melhor equipa de futebolistas realizadores de sempre.

Em Cartaz: Semana 02/02/2012

2012-02-02T18:15:00.003Z

O Artista, de Michel Hazanavicius
O Grande Milagre, de Ken Kwapis
Crónica, de Josh Trank
Jovem Adulta, de Jason Reitman
Os Marretas, de James Bobin

Banda Sonora: Bad Girl, de Lee Moses

2012-01-30T19:10:00.002Z

«Bad Girl», de Lee Moses - Banda Sonora de «Apollonide - Memórias de Um Bordel», de Bertrand Bonello

28 Dias Depois, de Danny Boyle (2002)

2012-01-29T09:13:00.005Z

Cinco anos antes de nos levar até ao espaço, Danny Boyle trouxe uma espécie de apocalipse ao planeta Terra. Mais concretamente ao Reino Unido, onde tem origem uma estranha epidemia que se alastra rapidamente e tem como efeito transformar os humanos em zombies. 28 dias depois do início das primeiras infecções Jim (Cillian Murphy) acorda numa cama de hospital onde esteve em coma sem saber muito bem o que se passou. Ao andar por uma Londres completamente deserta acaba por descobrir que algo não está bem quando tem o primeiro encontro com os infectados. Com a ajuda de Selena (Naomie Harris) e Mark (Noah Huntley) consegue escapar e esta dupla de sobreviventes explica-lhe o que se passou ao longo das últimas semanas.

«28 Dias Depois» é um daqueles filmes que toda a gente fala bem e fazem nascer o chamado hype que nos leva a ficar com vontade de ver um determinado filme. Confesso que depois de o ver fiquei um pouco desanimado. Como aqui escrevi ontem, a propósito de «Missão Solar», Danny Boyle não é dos meus realizadores favoritos. E este filme de terror é, na minha opinião, um falhanço. Talvez o problema tenha sido a vontade de Boyle fazer um filme de zombies diferente do cânone. Podia ter resultado bem, como em «Missão Solar» tinha resultado como filme de ficção científica diferente do habitual, mas não resulta. E o início de «28 Dias Depois», sobretudo nas sequências passadas numa Londres assustadoramente vazia, prometia tanto. O problema é na segunda metade do filme, onde o filme se perde completamente.

O argumento, assinado por Alex Garland, é do mais básico que há, chapa 4, não há grandes sustos nem reviravoltas que valham a pena ficar à espera do que irá suceder às personagens. A banda sonora, que neste tipo de filmes é essencial para manter a atmosfera em suspenso, também não funciona da melhor maneira. Depois de uma boa surpresa chamada «Missão Solar», que quase me fez começar a olhar para a obra de Boyle com outros olhos, chega uma desilusão que me volta a afastar dos filmes do realizador britânico. Pelo menos durante os próximos tempos.

Nota: 2/5

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Missão Solar, de Danny Boyle (2007)

2012-01-28T10:31:00.006Z

Goste-se ou não de Danny Boyle (e eu por acaso até nem sou grande fã, apesar do genial «Trainspotting»), se há coisa que o realizador britânico não pode ser acusado é de não arriscar, de vez em quando, fazer obras um pouco diferentes do normal. É esse o caso de «Missão Solar», um filme de ficção científica, que no conjunto da carreira de Boyle pode ser colocado ao lado do filme de terror «28 Dias Depois». Ambos os filmes contam com argumento de Alex Garland, o autor do romance «A Praia», que também foi adaptado pelo realizador em 2000 e cujo resultado não foi o melhor.

Realizado antes do oscarizado «Quem Quer Ser Bilionário?», «Missão Solar» relata os acontecimentos de uma missão espacial cujo objectivo é lançar uma bomba contra o Sol para 'ressuscitar' a estrela e assim salvar a Terra. A missão até estava a correr da melhor maneira até que a nave recebe um pedido de ajuda supostamente enviado por uma anterior missão, que se julgava perdida. A tripulação resolve então descobrir o que se passou e talvez até obter uma ajuda extra na missão. E começam os problemas.

Muito provavelmente «Missão Solar» não ficará para a história do Cinema como um clássico de ficção científica, mas o resultado final não é mau de todo e consegue cumprir o que lhe é pedido: ser um bom filme de entretenimento, sem entrar em grandes devaneios, apesar da metade final começar a entrar por caminhos um pouco mais filosóficos. Com um elenco que reúne algumas caras conhecidas, mas sem grandes estrelas (talvez as maiores sejam Cillian Murphy, que transita do anterior «28 Dias Depois», e Chris Evans, que recentemente interpretou Capitão América), Boyle conseguiu mostrar-nos uma boa história de ficção científica e as relações humanas entre os tripulantes, que muitas vezes têm de deixar ficar para trás os próprios sentimentos em prol do bem de todos e da missão que lhes foi incumbida.

A juntar a tudo isto temos uma excelente banda sonora, assinada a meias pela banda Underworld (que já tinha 'emprestado' o tema «Born Slippy» a «Trainspotting») e pelo compositor John Murphy (outro nome que tinha colaborado com Boyle em «28 Dias Depois»), que consegue dar alguma força à acção quando é preciso. E para quem nem gostava tanto dos filmes deste realizador antes de ver este filme, «Missão Solar» até acabou por se tornar uma agradável surpresa.

Nota: 4/5

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Os Descendentes, de Alexander Payne (2011)

2012-01-27T08:45:00.000Z

Apesar de apenas contar com seis longas metragens no currículo, Alexander Payne é um dos valores seguros do actual Cinema norte-americano. E «Os Descendentes», não sendo a sua melhor obra, não foge à regra. Tal como nos anteriores «As Confissões de Schmidt» e «Sideways», este é um drama simples, com algumas pitadas de comédia, que vive à conta de uma boa história e de boas interpretações, sobre alguém que chega a um certo ponto da sua vida e se apercebe que tem de se descobrir a si próprio.

Neste caso trata-se da história de Matt King (Clooney), um advogado que vive no Havai e descobre que a sua esposa, que está em coma e vai ter de ser desligada das máquinas, tinha um amante. Pelo meio Matt tem de aprender a lidar com duas filhas em idades complicadas (10 e 17 anos) e de avaliar a venda de uns terrenos familiares que farão os seus muitos primos (ainda mais) ricos, além de tentar perceber se quer ou não conhecer o amante da sua esposa. Confrontado com todos estes dilemas e com tão pouco tempo para os resolver, o pobre advogado lá tem de se adaptar ao que lhe vai aparecendo.

Além de um bom argumento, e Alexander Payne consegue provar mais uma vez que os sabe escrever, «Os Descendentes» conta também com excelentes interpretações, sobretudo de Clooney, que está em grande forma e esta semana acabou por ver o seu trabalho reconhecido com mais uma nomeação aos Óscares por este papel. Mas neste capítulo há que destacar também o desempenho da jovem Shailene Woodley, que interpreta a filha mais velha de Matt, e que apesar de não ter ainda grande experiência no cinema (tem apenas diversas
participações em séries de televisão no currículo) consegue esta à altura do pedido e dar resposta à sua complexa personagem: uma adolescente problemática que atravessa um período conturbado e vai sofrendo várias mudanças ao longo do filme. Apesar de não ser daqueles filmes perfeitos, «Os Descendentes» é um filme simples que nos deixa com um sorriso nos lábios no final.

Nota: 4/5

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Em Cartaz: Semana 26/01/2012

2012-01-26T19:59:00.003Z

Polissia, de Maïwenn
Attenberg, de Athina Rachel Tsangari
Três Vezes 20 Anos, de Julie Gavras
Uma Pequena Zona de Turbulência, de Alfred Lot
Um Homem no Limite, de Asger Leth
J. Edgar, de Clint Eastwood
Underworld: O Despertar, de Måns Mårlind e Björn Stein
País do Desejo, de Paulo Caldas

Millennium 1 - Os Homens Que Odeiam as Mulheres, de David Fincher (2011)

2012-01-24T19:42:00.012Z

A mania dos remakes em Hollywood é algo que não vem de hoje. Mas além de ser uma mania, quase tão irritante como a das sequelas desnecessárias, o pior é quando os remakes não vêm acrescentar nada de novo em relação ao original, que ainda está relativamente fresco na nossa memória (foi só em 2009 que Niels Arden Oplev adaptou o primeiro episódio da trilogia). A sensação que tive ao ver esta adaptação de David Fincher foi a mesma que tive há uns anos quando estreou «The Departed - Entre Inimigos», de Martin Scorsese, um remake de um dos meus filmes favoritos na altura («Infernal Affairs - Infiltrados», de Wai-keung Lau e Alan Mak). Não é um mau filme, mas desilude quem gostou do original. O tempo acabou por curar o meu problema em relação ao filme de Scorsese quando o voltei a ver mais tarde e provavelmente irá acontecer o mesmo com este filme quando o vir no futuro. A lição que retirei do filme que finalmente deu o Óscar ao realizador de «Taxi Driver» foi que para vermos um remake temos de esquecer o original.

Depois desta introdução, vamos então ao filme de Fincher, o realizador incumbido de fazer a versão americana do primeiro volume da trilogia Millennium, do sueco Stieg Larsson (quem não conhecer os livros, recomendo bastante, sobretudo este primeiro tomo). No centro da história temos uma investigação feita por Mikael Blomkvist (Daniel Craig), um jornalista caído em desgraça depois de uma reportagem que em vez de furo saiu furada, que é contratado por Henrik Vanger (Christopher Plummer) para descobrir a verdade sobre o desaparecimento de uma sobrinha. Esta investigação acaba por trazer à luz do dia os segredos mais obscuros da família Vanger, que no passado teve ligações a movimentos nacionalistas. Para ajudá-lo na sua tarefa, Mikael conta com a ajuda da jovem hacker Lisbeth Salander (Rooney Mara). Todos estes ingredientes tornam «Millennium 1 - Os Homens Que Odeiam as Mulheres» uma história negra q.b. para corresponder ao que temos visto anteriormente na obra de Fincher.

Como disse lá mais acima, «Millennium 1 - Os Homens Que Odeiam as Mulheres» não é um mau filme, pois estamos perante uma obra de um dos realizadores mais regulares do actual panorama de Hollywood. Goste-se ou não do seu meio de origem (os videoclips), David Fincher é um daqueles nomes que sabe o que faz quando está na cadeira de realizador. E aqui nada falha: uma boa direcção de actores, boas interpretações (Rooney Mara está muito bem, mas é difícil esquecer a Lisbeth Salander de Noomi Rapace), um ambiente negro bastante adequado à série,uma bela fotografia que nos leva mesmo a ter frio na gélida Hedestad onde decorre parte da acção e uma banda sonora quase genial, uma vez mais assinada pela dupla Trent Reznor e Atticus Ross que já tinha trabalhado com Fincher no filme anterior. Só a versão de «Immigrant Song», a banda sonora destacada esta semana e que surge no genérico inicial, é simplesmente viciante. O resto é tal e qual o que a dupla já tinha feito em «A Rede Social»

Tudo isto está bem. O diabo está nos detalhes, como diz o ditado popular. E esses detalhes estão espalhados pelo filme. Por exemplo, compreende-se que as personagens falem inglês, faz todo o sentido visto ser uma adaptação americana. Não faz sentido é grande parte das personagens ter um ligeiro sotaque. O mesmo acontece com alguns elementos dos cenários, sobretudo quando vemos as personagens a pegar em livros e revistas e reparamos que estas publicações são em sueco. São pequenos pormenores, que a juntar ao facto de o remake em si não trazer nada de novo em relação ao original, que acabam por desiludir. Para quem não viu o filme de Niels Arden Oplev, talvez este seja um grande filme (tirando estes pequenos detalhes, até é). Mas para quem ainda tem a primeira adaptação fresca na memória, o mais recente filme de David Fincher acaba por ser uma grande desilusão. Talvez daqui a alguns anos a minha opinião em relação seja diferente. Por agora, é esta.

Nota: 3/5

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CINEdrio e numa paragem do 28 marcam presença na primeira final da Copa A Angústia do Blogger Cinéfilo no Momento do Penalty

2012-01-24T19:22:00.004Z

Grande final: numa paragem do 28 (a preto) vs.CINEdrio (a azul)

Vote no Grande Vencedor AQUI

As meias finais da Copa A Angústia do Blogger Cinéfilo no Momento do Penalty já terminaram e os finalistas da primeira edição da iniciativa estão no terreno: CINEdrio, a equipa da casa, e numa paragem do 28. Parabéns aos finalistas e agora é tempo de começar a votar. Tal como nas jornadas anteriores, os votos estão a decorrer nos blogues participantes na Copa. Neste caso, podem votar neste post ou ali ao lado. Agora, resta-me desejar os parabéns aos finalistas e que ganhe o melhor.

Banda Sonora: Immigrant Song, de Karen O, Trent Reznor, Atticus Ross

2012-01-23T21:36:00.002Z

«Immigrant Song», de Karen O, Trent Reznor, Atticus Ross (original de Led Zeppelin) - Banda Sonora de «Millennium 1 - Os Homens Que Odeiam as Mulheres», de David Fincher

Noite na Terra, de Jim Jarmusch (1991)

2012-01-22T10:31:00.010Z

Crítica com spoilers
Cinco cidades (Los Angeles, Nova Iorque, Paris, Roma e Helsínquia), cinco táxis, cinco histórias. Tudo isto se passa no mesmo dia e à mesma hora e é isto que nos mostra Jim Jarmusch na sua quinta longa metragem «Noite na Terra». Recorrendo a sketches cómicos (algo que também encontramos noutras obras do realizador), mesmo se o último for mais trágico que cómico (bem, depende do ponto de vista, mas já lá vamos) cada um dos episódios pode ser visto como uma história sobre aquele local específico e que apenas poderia ter lugar ali. Mas no fundo, a Terra é tão grande que há milhões de histórias a acontecer a toda a hora. E que melhor sítio para conhecer algumas do que os seus táxis?

Vamos então aos pequenos episódios. Em Los Angeles conhecemos dois universos diferentes: a cultura do automóvel que reina na cidade californiana onde uma rapariga taxista (Winona Ryder) prefere ser mecânica a aceitar uma oferta para ser actriz no mundo de Hollywood. Passando para Nova Iorque encontramos um imigrante vindo da Alemanha de Leste (Armin Mueller-Stahl) no seu primeiro dia como taxista e cuja primeira corrida consiste em levar um homem até Brooklyn, mas pelo caminho os papéis invertem-se e o condutor passa a passageiro. Paris, cidade das luzes, mais um imigrante (Isaach De Bankolé), desta vez africano bastante temperamental, que acalma um pouco quando leva no carro uma passageira cega (Béatrice Dalle). Em Roma temos direito a um verdadeiro one man show por parte de Roberto Benigni, o chauffer de praça que tem o prazer de levar no carro um padre e aproveita a oportunidade para contar os seus pecados. Esta corrida de táxi internacional termina na capital finlandesa, num episódio inspirado no cinema de Aki Kaurismaki, onde um taxista chamado Aki é chamado por três bêbedos que passaram a noite a afogar as mágoas de um deles, naquele que consideram ser o pior dia da vida do pobre diabo. Mal eles sabiam a história de vida de Aki.

Além de todos os episódios serem passados dentro de um táxi (poucas cenas são filmadas fora das viaturas), praticamente todos estão filmados da mesma maneira simples e todas as histórias conseguem transmitir o espírito das cidades onde decorrem. O único episódio que acaba por não ser tão original, o que não significa que seja bom, é talvez o último episódio, que por vezes parece mesmo uma obra assinada por Kaurismaki (por tudo, desde a cidade demasiado cinzenta às personagens que estão literalmente na fossa, mas que nos fazem rir com as suas tragédias - quem já viu algum filme de Kaurismaki sabe como o finlandês consegue criar uma história cómica a partir da maior das tragédias). E claro que há episódios melhores do que outros, como sempre acontece neste tipo de filmes. A grande vantagem de «Noite na Terra», onde ainda temos direito a uma excelente banda sonora assinada por Tom Waits, nome que se cruza várias vezes na obra de Jarmusch, é que no todo acaba por ser um filme equilibrado.

Nota: 4/5

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Habemus Papam - Temos Papa, de Nanni Moretti (2011)

2012-01-21T09:30:00.002Z

João Paulo II morreu. No Vaticano, dezenas de cardeais reúnem-se em conclave para escolher o novo Santo Padre e a escolha recai sobre o cardeal Melville (Michel Piccoli). A princípio renitente o novo Papa, pressionado pelos outros cardeais que não queriam tal cargo a aceitar o posto, lá acaba por aceitar a tarefa de ser o líder da Igreja Católica. Mas quando chega a hora de enfrentar os fiéis e se apresentar ao mundo como o sucessor de João Paulo II, Melville sofre um ataque de pânico e desaparece nos corredores do Vaticano.

É este o ponto de partida de «Habemus Papam - Temos Papa», o último filme de Nani Moretti, que volta a dar uma perninha como actor, desta vez no papel de um psicanalista contratado pela Santa Sé para 'curar' o novo Papa e tentar resolver o assunto. Não se trata de um filme sobre Religião e os que tinham medo que este fosse uma sátira/crítica à Igreja Católica realizada por Moretti, como se temeu segundo o próprio realizador já admitiu em entrevistas, podem estar enganados. Isto apesar de uma ou outra bicada lá pelo meio, mas nunca sem ser um ataque frontal. «Habemus Papam - Temos Papa» é uma comédia séria, por vezes em tons melancólicos, bem ao estilo de Moretti, sobre a solidão de alguém que tem a oportunidade de chegar ao topo da hierarquia do universo onde sempre viveu e não sabe o que fazer a partir de agora. Tratando-se de alguém já com uma certa idade, esta ansiedade e sentimento de não estar à altura de tamanha responsabilidade pesa ainda mais na cabeça de Melville.

E este retrato é possível graças à presença de um actor, o francês Michel Piccoli, nome grande (enorme, diria eu) que nos tem habituado a grandes interpretações desde os anos 1950 em filmes dos principais realizadores europeus e que neste caso volta a brilhar como nunca. Só aquela cena final (um dos grandes finais vistos nos últimos tempos) é de uma sinceridade brutal que espelha bem o que vai na alma da personagem. A fuga de Melville pelas ruas de Roma pode ser vista por muitos como um acto de cobardia, mas mais não é do que um acto de coragem de alguém que quer saber o que se passa consigo próprio.

«Habemus Papam - Temos Papa» não é um filme extraordinário, mas é um bom filme, algo cada vez mais raro no cinema italiano dos últimos anos. Apesar de algumas falhas (um cardeal perdido em Roma, quando toda a gente está de olho no que se passa no conclave, sem que ninguém dê por ele é no mínimo estranho...mas não nos podemos esquecer que é um filme e é essa a magia da Sétima Arte), tem grandes achados, sobretudo nas sequências onde a personagem de Moretti dialoga com os cardeais. O psicanalista é mesmo o lado oposto da moeda neste filme: Melville está fora do Vaticano, em liberdade, e ele está preso, porque em período de conclave ninguém que esteja dentro do Vaticano pode sair enquanto não for anunciado o nome do novo Papa. Podia também abordar uma certa crítica velada aos Media, mas penso que o texto já se alongou e resta-me dizer: temos filme!

Nota: 4/5

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O Deus da Carnificina, de Roman Polanski (2011)

2012-01-20T08:42:00.004Z

«O Deus da Carnificina» é um daqueles exemplos perfeitos de que não vale a pena complicar muito para fazer um grande filme. Em cena apenas quatro actores (e um grupo de garotos) que em menos de hora e meia (79 minutos, para ser mais preciso, é esse o tempo do filme) nos mostram como um grupo de pessoas vai de um estado dito civilizado à mais pura discussão, provando que as aparências iludem. E de que maneira.

Tudo começa quando Zachary se chateia com o colega Ethan, porque este não o quer no grupo de amigos, pega num pau e parte dois dentes de Ethan. O que começa como uma briga de dois miúdos com pouco mais de 10 anos, numa sequência genial que nem sequer precisa de som para nos mostrar o que se passou (quase que poderíamos dizer que parece saída de um filme mudo), transforma-se na cena seguinte num potencial cenário mais pacífico, quando os pais das crianças tentar resolver a questão amigavelmente. Mas aos poucos as discussões começam por ninharias. Primeiro entre os dois casais e às tantas já os membros dos próprios casais estão às turras, vindo ao de cima os podres de problemas que todos julgavam não existir.

Baseado numa peça de teatro (daí a escassez de meios) escrita por Yasmina Reza e com interpretações de luxo dos quatro actores principais (Jodie Foster, John C. Reilly, Kate Winslet e Christoph Waltz), qual deles o melhor, «O Deus da Carnificina» conseguiu ser (mais) um dos grandes filmes estreados no final do ano passado. Mesmo tendo sido realizado por um Roman Polanski em modo de retiro forçado, devido a questões legais, o resultado está à altura da obra do polémico realizador polaco e é um dos filmes que vale mesmo a pena ver por estes dias.

Nota: 5/5

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Em Cartaz: Semana 19/01/2012

2012-01-19T19:43:00.002Z

O Idiota do Nosso Irmão, de Jesse Peretz
Warrior - Combate Entre Irmãos, Gavin O'Connor
Millennium 1: Os Homens Que Odeiam as Mulheres, David Fincher
Os Descendentes, Alexander Payne

Manhattan, de Woody Allen (1979)

2012-01-18T08:30:00.009Z

Há filmes sobre os quais é difícil escrever, tal é a admiração que temos por eles. Daí há dias, depois de ter (re)visto «Manhattan», a primeira coisa que me lembrei de partilhar aqui sobre este filme foi um dos planos mais belos daqueles 96 minutos: Woody Allen e Diane Keaton debaixo da ponte de Brooklyn, depois de uma caminhada nocturna pelas ruas de Nova Iorque, numa belíssima fotografia a preto e branco. Estão ali duas das chaves do filme e, acrescentaria eu, de toda a obra do cineasta. Uma homenagem à cidade, local por onde Woody Allen tantas vezes nos levou, e as (sempre complicadas) relações entre casais.

Há quem diga que este é um filme sobre Nova Iorque. Não o vejo tanto assim. Para mim «Manhattan» é tanto um filme sobre Nova Iorque, como o mais recente «Meia Noite Em Paris» é um filme sobre a capital francesa. Apesar de o espírito de ambas as cidades estar bastante bem captado nos dois filmes, sobretudo nas magnificas sequências iniciais de ambos, «Manhattan» é, mais uma vez na obra de Allen, um filme sobre relações como só o realizador as sobre mostrar, através das picuinhices e neuroses da sua muito peculiar personagem.

Desta vez encontramos Allen na pele de Isaac, uma homem divorciado na casa dos 40 apaixonado por Tracy (Mariel Hemingway), a sua muito jovem namorada de 17 anos. Apesar da paixão que os une, Isaac tudo faz para que a relação não se torne uma prisão para os dois, sobretudo para a jovem, pois acredita que ela tem de ter mais experiências e não deve ficar logo agarrada a alguém tão velho. Em contraponto à relação instável entre Isaac e Tracy, temos um casal amigo, Yale (Michael Murphy) e Emily (Anne Byrne), que vivem uma situação aparentemente mais estável até que surge em cena a amante de Yale: Mary (Diane Keaton). São todos estes dilemas, ao qual se junta ainda a paixão entre Isaac e Mary, depois de ele abandonar Tracy e ela abandonar Yale, que fazem de «Manhattan» um dos melhores filmes de Allen e desde agora o meu favorito do realizador.

Está lá tudo. Excelentes diálogos, cenas lindíssimas filmadas num preto e branco que funciona de forma perfeita (todas aquelas cenas onde as personagens surgem quase como se fossem sombras, desde o já referido plano da ponte de Brooklyn à visita ao museu, são inúmeros os exemplos) e uma história que fica a milhas de muitos filmes centrados no Amor e nas relações complexas entre casais, que tanto poderia resvalar para a comédia idiota (em momentos segue por aí, mas sempre ao melhor estilo de Woody Allen e os seus dilemas tão estranhos que parecem impossíveis de acontecer - mas nunca nos aconteceram situações semelhantes às que são retratadas nos filmes de Allen?), como para o dramalhão de fazer chorar as pedras da calçada. Felizmente não envereda por nenhum dos dois caminhos.

Se depois de ver isto não se começar a gostar de Woody Allen, não há nada a fazer. Mas perde-se toda a magia de um dos melhores filmes de sempre, onde as relações são retratadas quase como elas são de facto e feito numa das melhores cidades do mundo. Quem já lá esteve, sabe do que estou a falar.

Nota: 5/5

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Vingança Planeada, de Chan-wook Park (2005)

2012-01-17T19:00:00.003Z

Último filme de uma trilogia dedicada à vingança, cujo ponto alto foi o segundo tomo, o genial «Old Boy - Velho Amigo», «Vingança Planeada» («Sympathy For Lady Vengeance», no título inglês) encerra com chave de ouro o conjunto dos três filmes. Apesar de ser um pouco inferior ao segundo episódio, não deixa de ser um grande filme e uma boa experiência, pois não desagrada de todo a quem gostou de «Oldboy». Quanto mais não seja porque, uma vez mais, está bem filmado e consegue ligar as várias histórias sem se perder no caminho.

Tal como no filme anterior, esta é a história de alguém que esteve preso durante vários anos e de repente se vê em liberdade, condição que a leva a pôr em prática um plano de vingança contra o responsável pelo período de reclusão. Ficam por aqui as semelhanças, pois a protagonista de «Vingança Planeada» é uma mulher que esteve presa por um crime que cometeu há alguns anos, enquanto que em «Oldboy» era um homem que esteve preso num quarto sem saber muito bem porquê até ao assombroso desenlace final, que é um daqueles murros no estômago que demora muito tempo a aguentar.

Voltemos então a «Vingança Planeada». Aqui encontramos Geum-ja Lee (Yeong-ae Lee) à saída da prisão e quando pensamos que está regenerada, com a ajuda de uma pessoa que a visitou durante anos e a viu como alguém divino com poder para ajudar os outros, os constantes flashbacks, que também servem para contar as histórias das suas companheiras de prisão, vão-nos mostrando que não é bem assim e mal sabemos o que virá da sua cabeça. Um dos pontos que poderia ter dado em falhanço total, esta fragmentação de histórias, acaba por não o ser, pois Chan-wook Park consegue ligar todos os pontos sem se perder, o que poderia ser fácil e é bastante comum neste tipo de filmes, onde várias narrativas se cruzam. Ao mesmo tempo, este acaba por ser um dos aspectos que coloca o filme uns furinhos abaixo do seu antecessor.

Menos violento e sádico do que «Oldboy», mas visualmente ao mesmo nível, outro dos pontos fracos de «Vingança Planeada» é o facto de não ter tantas surpresas (uma vez mais sublinho que o final do segundo episódio é difícil de igualar) e ser um pouco mais previsível. Mas, quando os filmes são bem feitos, como é este o caso, o resultado tem tudo para ser bom e é mesmo. Com a vantagem de não ser necessário ter um estômago tão forte para o ver como no caso de «Oldboy».

Nota: 4/5

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Meias finais do torneio interblogues, também conhecido como Copa A Angústia do Blogger Cinéfilo no Momento do Penalty

2012-01-16T23:05:00.003Z

1.º confronto: numa paragem do 28 (a preto) vs. In a Lonely Place (a azul)

Vote no Vencedor Aqui

2.º confronto: Breath Away (a preto) vs. CINEdrio (a azul)

Vote no Vencedor Aqui

Terminadas as partidas dos quartos de final da primeira edição do Torneio Interblogues, já são conhecidas as equipas que irão disputar as meias finais e, consequentemente, candidatas a um lugar na final. Recordo que os jogadores destas quatro equipas vão poder ter um lugar na equipa ideal do torneio, dado que irão a votos também. A equipa do «A Última Sessão» foi eliminada na primeira ronda, renhida diga-se de passagem, contra a equipa do «In a Lonely Place», a quem dou desde já os meus sinceros parabéns e desejo boa sorte para o próximo embate. Para a próxima edição vou tentar apresentar uma nova equipa, com alguns reforços, para chegar pelo menos às meias finais. Para primeira edição, gostei do resultado. Tal como nos quartos de final, convido os leitores do blogue a votarem nos links deste post ou nas sondagens ali ao lado.

Banda Sonora: Ballad of a Thin Man, de Stephen Malkmus and The Million Dollar Bashers

2012-01-16T18:37:00.003Z

«Ballad of a Thin Man», de Stephen Malkmus and The Million Dollar Bashers (original de Bob Dylan) - Banda Sonora de «I'm Not There - Não Estou Aí», de Todd Haynes

Há filmes que nos deixam assim, sem palavras

2012-01-15T12:34:00.000Z

A Toupeira, de Tomas Alfredson (2011)

2012-01-14T09:38:00.004Z

Esqueçam James Bond. Apesar de «A Toupeira» ser um filme de espiões, este não será o filme mais indicado para os fãs de 007. Adaptado a partir de um livro de John le Carré, a estreia de Tomas Alfredson (realizador do fabuloso filme de vampiros sueco «Deixa-me Entrar») nos EUA é um filme muito mais calmo do que as aventuras protagonizadas pelo espião favorito de sua majestade. E que grande filme, talvez mesmo um dos melhores estreados no final do ano passado.

Protagonizado por um Gary Oldman em excelente forma, longe das suas personagens mais neuróticas, mas sempre muito bem, a trama centra-se nos serviços secretos britânicos, em plena Guerra Fria, quando surgem suspeitas de que alguém na cúpula do organismo poderá estar ao serviço de Moscovo. A suspeita já era do anterior chefe dos espiões Control (John Hurt), que morre no início do filme, e uma investigação interna é encomendada a Smilley (Gary Oldman), um espião reformado que foi um dos homens mais próximos de Control. Tal como já referi, não há aqui grandes cenas de acção ao estilo de Bond. Talvez uma das sequências iniciais, passada na Hungria, se possa encaixar nesse estilo, mas mesmo assim será um pouco forçado ir por aí. «A Toupeira» é um filme sóbrio, como se quer quando o objectivo é representar um universo cheio de cortinas de fumo e onde ninguém quer dar nas vistas.

Este é um filme onde a história vale por tudo o resto, não fosse o original ter sido escrito por um dos mestres da literatura de espionagem. Apesar de poder ser fácil a Tomas Alfredson perder-se em tantas lutas e tricas internas, o filme consegue ser bastante coeso. Tem excelentes interpretações, feitas por um elenco de luxo (quase que parece um dream team encabeçado por Oldman, tal a qualidade de grandes actores que encontramos em papéis secundários: Toby Jones, Colin Firth, Benedict Cumberbatch - o Sherlock da TV -, Mark Strong, entre outros) e uma recriação da época muito boa. Se continuar assim, Tomas Alfredson tem tudo para se tornar um grande nome no Cinema.

Nota: 5/5

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Em Cartaz: Semana 12/01/2011

2012-01-12T19:32:00.002Z

Um Coração Dividido, de Luc Besson
Imperdoáveis, de André Téchiné
Moneyball - Jogada de Risco, de Bennett Miller
Apollonide - Memórias de Um Bordel, de Bertrand Bonello
A Hora mais Negra, de Chris Gorak
Tucker e Dale Contra o Mal, de Eli Craig

Sherlock Holmes: Jogo de Sombras , de Guy Ritchie (2011)

2012-01-11T08:04:00.004Z

Há uns anos atrás, quando Guy Ritchie foi anunciado como realizador de mais uma adaptação de Sherlock Holmes ao Cinema, muitos terão pensado que o resultado final não seria o melhor. Apesar de essa primeira adaptação do universo da personagem criada por Sir Arthur Conan Doyle poder ser considerada pouco convencional para quem estava à espera de um regresso ao final do século XIX, o primeiro «Sherlock Holmes» não foi mau de todo. O resultado acabou por nos dar um novo olhar sobre uma personagem que talvez já tivesse demasiado agarrada a um cliché. Tal como noutros casos, e assim de repente lembro-me da recente do Tintim de Steven Spielberg, penso que este filme de ser visto como um olhar pessoal de um realizador sobre uma obra que está bastante enraizada na cultura popular.

Dois anos depois, Guy Ritchie, Robert Downey Jr. (Sherlock Holmes) e Jude Law (John Watson) voltam (mais ou menos) ao mesmo cenário, mas desta vez o resultado não esteve à altura do original de 2009 e é mais fraco. A magnífica Londres do primeiro episódio é trocada por uma espécie de digressão europeia por várias cidades, que culmina numa batalha final entre Holmes e o seu arqui-inimigo Professor James Moriarty (Jared Harris) no mais previsível dos países. Uma vez mais a dupla de protagonistas volta a resultar bem e duvido que se trocassem o par conseguissem satisfazer os fãs do primeiro filme. Algumas cenas de acção estão também bem conseguidas, apenas um pouco mais exageradas quando comparamos com o primeiro «Sherlock Holmes».

O grande problema deste segundo episódio da série é o argumento, bastante fraquinho e sem ponta por onde se lhe pegue. Não quero aprofundar esta parte, para não fazer spoiler, mas quem vir terá de concordar que o desenrolar da trama e o centro da mesma, parece um pouco forçado. A isto juntam-se secundários que não estão à altura dos protagonistas. Mesmo Jared Harris, cujo Moriarty prometia tanto no filme anterior, parece que não entrou bem na personagem. Talvez o facto de no primeiro ser uma personagem mais misteriosa o tivesse prejudicado neste segundo capítulo.

Para primeiro blockbuster do ano, parece-me que «Sherlock Holmes: Jogo de Sombras» foi um tiro em falso e muito provavelmente os resultados de bilheteira irão ditar a continuação ou o fim da série, que tinha tudo para vingar (uma dupla de grandes actores que funciona bem, boas histórias, um vilão genial, um imaginário bem conseguido, etc.), mas acabou por se espalhar ao comprido neste segundo episódio. Será que Ritchie falhou nesta sequela, tal como muitas bandas falham no momento de gravar o mítico segundo álbum?

Nota: 2/5

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Obrigado

2012-01-10T20:02:00.005Z

Acabam de ser divulgados os resultados da categoria Melhor Artigo da edição deste ano dos TCN Blog Awards 2011, categoria que contava com a presença deste cantinho com o texto «Para Onde Vão os Espectadores do Cinema Português?». Desta vez o resultado foi melhor do que no ano passado, mas confesso que não esperava que fosse tão bom. Com 38 votos (sim, para mim é um bom resultado) «A Última Sessão» ficou em terceiro lugar, atrás da entrevista a John Carpenter, um dos meus heróis do Cinema, e o meu texto favorito do conjunto, e do grande vencedor Mundo Mágico vs Caixinha Mágica, que esmagou completamente a concorrência. Resta-me agradecer a todos os que votaram em mim: 38 vezes obrigado.

Quartos de Final do Torneio Interblogues: In a Lonely Place vs. A Última Sessão

2012-01-09T22:42:00.010Z

2.º confronto: In a Lonely Place (a preto) vs. A Última Sessão (a azul)

Vote no Vencedor Aqui

1.º confronto: numa paragem do 28 (a preto) vs. Cine Resort (a azul)

Vote no Vencedor Aqui

3.º confronto: Breath Away (a preto) vs. A Sombra do Elefante (a azul)

Vote no Vencedor Aqui

4.º confronto: Modern Times (a preto) vs. CINEdrio (a azul)

Vote no Vencedor Aqui

Arranca hoje oficialmente a primeira edição do torneio Interblogues promovido pelo blogue CINEdrio. «A Última Sessão» está presente e o sorteio ditou um confronto com a equipa proposta pelo «In a Lonely Place». Deixo-vos os links para poderem votar nas vossas equipas preferidas e convido-os a irem aos blogues dos restantes participantes para ficarem a conhecer as equipas e as justificações e assim tomarem uma melhor decisão sobre as escolhas. Resta-me desejar boa sorte a todos e que os jogos comecem. O anúncio do fim da votação está marcado para a próxima segunda-feira, 16 de Janeiro.

Duas pequenas notas: os votos podem ser feitos também ali ao lado, espero que participe o maior número de pessoas para tornar a iniciativa mais interessante.

Para quem quiser conhecer as equipas do torneio e as justificações das escolhas, cada equipa tem o link para o respectivo post dos participantes. Agora, resta-me desejar que ganhem os melhores.

Banda Sonora: 24 Hour Party People, de Happy Mondays

2012-01-09T21:03:00.002Z

«24 Hour Party People», de Happy Mondays - Banda Sonora de «24 Hour Party People», de Michael Winterbottom

24 Hour Party People, de Michael Winterbottom (2002)

2012-01-08T15:09:00.005Z

Já aqui o disse em algumas ocasiões que nem sempre é boa ideia voltarmos aos filmes com os quais já fomos felizes quando os vimos pela primeira vez. Se há filmes que consigo ver dúzias de vezes sem cansar, há outros que acabam por desiludir quando os revejo, o que não significa necessariamente que sejam maus de todo. Voltou a acontecer com «24 Hour Party People», um dos filmes que me lembro de ter visto no velhinho Quarteto quando estreou e até gostei, mas agora me parece um objecto um tanto estranho.

Não que esta história da Factory e da mítica Madchester, que começou numa fase embrionária ainda no final dos anos 1970 e atingiu o auge durante a década seguinte, contada por Tony Wilson (grande interpretação de Steve Coogan) num estilo de documentário ficcionado seja um filme de se deitar fora. Para quem gosta de música e daquela época é um delírio ter um outro olhar, por vezes até mais cómico, sobre bandas como Joy Division, New Order ou Happy Mondays. E a quantidade de histórias retratadas é tanta que é difícil escolher um ou outro exemplo. Sobretudo na parte dedicada aos últimos.

Talvez um dos problemas de «24 Hour Party People» seja estar tão centrado naquelas três bandas, quando a Madchester teve tantos outros protagonistas. Mas ao mesmo tempo é o próprio Wilson (personagem do filme) que explica que é esse o objectivo do filme, contar a história da Factory Records e como esta etiqueta mudou de vez o panorama musical e cultural da antiga cidade operária em 1976, depois de um célebre concerto dos Sex Pistols onde estiveram presentes cerca de 40 pessoas, algumas das quais acabaram por formar as bandas que deram fama a Manchester. Fora isso, ao segundo visionamento «24 Hour Party People» pareceu-me mais uma homenagem mais ou menos bem conseguida ao universo e visão de Tony Wilson, que também tem um pequeno cameo (são vários os cameos, bastante identificados, das pessoas reais que fizeram a história daquela época), e de uma época que marcou definitivamente a música do Reino Unido. Mas para quem gosta, pode aguardar uma banda sonora de luxo.

Nota: 3/5

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TCN Blog Awards 2011: Palmarés

2012-01-08T10:42:00.004Z

Foram ontem conhecidos os vencedores da edição deste ano dos TCN Blog Awards, uma iniciativa do blogue Cinema Notebook e da revista Take, que tem como objectivo premiar o que de melhor se fez na blogosfera de Cinema e Televisão ao longo de 2011. Uma vez mais «A Última Sessão» esteve nomeado, na categoria de Melhor Artigo, e uma vez mais saiu de mãos a abanar. Valeu pelo convívio e pelo encontro com alguns bloggers conhecidos e para conhecer novas caras da blogosfera. No final do ano haverá mais. Eis então a lista completa dos vencedores, liderada claramente pelo TV Dependente, que conquistou quatro prémios em cinco nomeações:

Melhor Artigo - Mundo Mágico vs. Caixinha Mágica
Melhor Crítica - Game of Thrones S1E01
Melhor Blogger - Pedro Andrade
Melhor Blog Colectivo - TV Dependente
Melhor Novo Blog - Blockbusters
Melhor Blog Individual - Keyzer Soze's Place
Melhor Iniciativa - José e Pilar aos Oscares
Melhor Revista de Cinema - Empire

Aproveito para dar os parabéns à organização por continuar a promover esta iniciativa, que, tal como eles próprios defendem, deve servir não apenas para premiar os melhores, mas também para divulgar alguns blogues que de outra maneira não seriam conhecidos. Como foi o caso do meu no ano passado. Para o ano lá estaremos de novo.

A Esquiva, de Abdellatif Kechiche (2003)

2012-01-07T10:15:00.005Z

«A Esquiva» não foi o primeiro filme de Abdellatif Kechiche, mas foi com ele que ficou conhecido. Isto apesar de na obra de estreia, «La faute à Voltaire», já ter conseguido amealhar alguns prémios e nomeações. Com «A Esquiva» o sucesso foi maior, nomeadamente nos Césares, os Óscares franceses, onde conquistou cinco galardões, entre os quais Melhor Filme, Realizador, Argumento e Jovem Actriz (Sara Forestier, uma grande descoberta).

Neste filme acompanhamos um grupo de jovens de um bairro dos subúrbios de Paris (lembram-se dos célebres motins nos banlieues há uns anos? É este o cenário, mas sem os motins, mas com alguns jovens em revolta) que encenam uma peça de teatro para a escola, baseada numa obra do século XIX assinada por Marivaux. Num dos papéis principais desta peça está Lydia (Sara Forestier) por quem Krimo (Osman Elkharraz), um colega de turma que pertence a um gangue e pouco habituado a bons comportamentos, se apaixona. Para se aproximar de Lydia, Krimo, que segundo a ex-namorada nunca leu um livro, acaba por querer participar na peça e tentar expressar os seus sentimentos junto da amada.

Praticamente sempre filmado com a câmara na mão, mostrando assim um ambiente que por vezes é demasiado hostil (ou pelo menos aparenta ser, para quem está de fora), a segunda obra de Kechiche consegue mostrar não só uma história de amor entre jovens, com todos os problemas e situações que daí decorrem, mas também retratar a vida nas comunidades pobres e marginalizadas de Paris. Há um grande enfoque na forma como a relação entre os dois jovens é vista pelos amigos de ambos: as amigas de Lydia não gostam do jovem delinquente e os amigos de Krimo não vêem com bons olhos as novas ideias teatrais do seu antigo companheiro de desventuras. Não sendo um grande filme, do mesmo realizador continuo a preferir «O Segredo de um Cuscuz», «A Esquiva» é uma bela obra que consegue retratar tudo isto sem cair em grandes facilitismos e clichés. No fundo é apenas uma história simples de uma rapaz que se apaixona por uma rapariga.

Nota: 4/5

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Em Cartaz: Semana 05/01/2012

2012-01-05T10:02:00.000Z

A Gruta dos Sonhos Perdidos (3D), de Werner Herzog
O Espião Fantasma, de Michael Brandt
Sherlock Holmes: Jogo de Sombras, de Guy Ritchie
A Minha Semana Com Marilyn, de Simon Curtis
Martha Marcy May Marlene, Sean Durkin

A Última Sessão FC entra em estágio

2012-01-04T19:28:00.004Z

A propósito de um desafio lançado pelo blogue CINEdrio, da autoria de Luís Mendonça, «A Última Sessão» resolveu participar num divertido torneio interblogues onde o objectivo é cada blogue apresentar uma equipa de futebol onde os jogadores são nomes grandes da Sétima Arte. A minha proposta, como podem ver acima, é um clássico 4-4-2 para não complicar muito. Segue a constituição do 11 inicial e a justificação para as contratações:

GR: Aki Kaurismaki
DE: Nani Moretti
DD: Don Siegel
DC: Joel Coen
DC: Ethan Coen
MC: Abel Ferrara
MC: Sergei Eisenstein
MD: Wes Anderson
ME: Buster Keaton
AC: Emir Kusturica
AC: Federico Fellini

Kaurismaki, o guarda-redes vindo do frio, com nervos de aço;
Moretti e Siegel nas laterais. O primeiro gosta de arriscar pela esquerda e ajuda a fazer o corredor em subidas até à área adversária. O segundo é mais conservador e pode às vezes ajudar a dupla de centrais.
Os irmãos Coen no centro da defesa, uma dupla que se entende como ninguém, não passa bola nenhuma.
No centro do meio campo encontramos Eisenstein e Ferrara, mais uma dupla forte para o que der e vier. O primeiro ajuda a construir jogo, enquanto o segundo pode ajudar a recuperar bolas na raça.
Nas laterais dois criativos para levar a bola à área em centros bem metidos: Keaton e Wes Anderson.
O centro da grande área adversária fica para dois magos habituados a fantasiar os espectadores com os seus golos fora do normal, sendo Kusturica o homem do número 10 que fica atrás do ponta de lança, graças às lições que recebeu do seu amigo Diego Armando Maradona, o implacável Fellini.

Esta é uma mistura de novos talentos e veteranos. Não foi fácil escolher uma equipa depois de alguns reforços já terem sido escolhidos pelas restantes (grandes) equipas. A ideia foi mesmo fazer uma equipa com nomes que ainda não tivessem sido escolhidos pelos restantes adversários.
O sorteio para os oitavos de final está marcado para a próxima segunda-feira e os vencedores das partidas serão escolhidos pelos visitantes dos blogues, através de sondagens a publicar nos blogues participantes. Agora que venham os jogos e que ganhem os melhores.

Banda Sonora: Where Do You Go To My Lovely, de Peter Sarstedt

2012-01-02T17:26:00.001Z

«Where Do You Go To My Lovely», de Peter Sarstedt - Banda Sonora de «The Darjeeling Limited», de Wes Anderson

Uma Separação, de Asghar Farhadi (2011)

2012-01-01T17:46:00.004Z

Ainda há dias publiquei aqui a lista daqueles que considerei os melhores filmes estreados em Portugal durante o ano passado e referi vários títulos que não tinha visto a tempo e poderiam lá estar. Pois, eis um que deveria lá estar e não entrou a tempo porque apenas o consegui ver ontem, bem antes dos festejos de fim de ano. O filme em causa é «Uma Separação», um grande filme do iraniano Asghar Farhadi. Numa altura em que vários cineastas são perseguidos pelo regime de Teerão, e o caso de Jafar Panahi será apenas um de muitos, a chegada de filmes como este prova que ainda há quem consiga fazer Cinema no Irão. Até quando? Não se sabe.

«Uma Separação» parte do caso de um divórcio de um casal, que se quer separar para dar uma vida melhor à filha adolescente, para criticar um sistema judicial completamente surreal, que por vezes parece saído da mente de Kafka. Logo a cena inicial, quando o casal Nader (Peyman Maadi) e Simin (Leila Hatami) esgrime argumentos perante o juiz, é um excelente exemplo disso. Mais tarde esta justiça volta ao centro do filme quando Nader se vê acusado de ter provocado um aborto espontâneo na ex-empregada que contratou para cuidar do seu pai, vítima de Alzheimer.

Com duas excelentes interpretações, sobretudo a de Peyman Maadi, que carrega literalmente o filme às costas, «Uma Separação» é mais um daqueles filmes vindos do Irão que nos permite dar uma espreitadela sobre um regime fechado. Ao mesmo tempo, a história do divórcio e da família em desagregação, assim como a abordagem à família que leva Nader a tribunal, vinda de uma camada inferior, tornam no filme um pouco universal, pois se não fosse aquela justiça retratada como é, «Uma Separação» poderia ser um filme criado em qualquer parte do mundo. Talvez seja esse um dos grandes pontos fortes do filme de Asghar Farhadi que conquistou em Berlim quatro galardões, incluindo o Urso de Ouro para Melhor Filme e o Urso de Prata que distingui quatro dos actores do filme.

Nota: 4/5

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Feliz Ano Novo

2011-12-31T09:39:00.000Z

«A Última Sessão» deseja a todos os seus leitores um excelente 2012 e com grandes filmes como este. («O Grande Salto», dos Irmãos Coen)

Os melhores do ano (estreias)

2011-12-30T08:39:00.003Z

Na semana passada revelei aqui uma lista dos melhores filmes, recentes ou nem por isso, que tive de oportunidade de ver pela primeira vez este ano. Hoje é a vez de desvendar a lista dos filmes estreados em sala, independentemente do ano, que mais gostei de ver. Faltaram ver alguns 'obrigatórios' («48», «Banksy - Pinta a Parede», «Pequenas Mentiras Entre Amigos», «Eu Vi o Diabo», «Um Dia», «O Barão», «Fora de Jogo», «Isto Não é um Filme», «Histórias de Xangai», «Temos Papa», «Uma Separação», «A Toupeira» e «Diário a Rum», foram os filmes que mais pena tive de não ter visto em sala), que decerto poderiam ter um lugar nesta lista que, como qualquer uma, não é absoluta. É apenas uma lista pessoal e não tem como objectivo ser consensual. Ei-la então:

1 - Um Ano Mais, de Mike Leigh
2 - Os Gatos Persas, de Bahman Ghobadi
3 - O Código Base, de Duncan Jones
4 - Autobiografia de Nicolae Ceausescu, de Andrei Ujica
5 - Submarino, de Richard Ayoade
6 - Tournée - Em Digressão, de Mathieu Amalric
7 - Exército Vermelho Unido, de Kôji Wakamatsu
8 - Inquietos, de Gus Van Sant
9 - Road to Nowhere - Sem Destino, de Monte Hellman
10 - Essential Killing - Matar Para Viver, de Jerzy Skolimowski
11 - Poesia, de Lee Chang-dong
12 - Assim é o Amor, de Mike Mills
13 - Rubber - Pneu, de Quentin Dupieux
14 - Meia Noite Em Paris, de Woody Allen
15 - O Atalho, de Kelly Reichardt
16 - A Minha Alegria, de Sergei Loznitsa
17 - Sangue do Meu Sangue, de João Canijo
18 - O Hospício, de John Carpenter
19 - Mel, de Semih Kaplanoglu
20 - América, de João Nuno Pinto

Em Cartaz: Semana 29/12/2011

2011-12-29T19:33:00.003Z

Apollo 18, Missão Proibida, de Gonzalo López-Gallego
Bruna Surfistinha - O Doce Veneno do Escorpião, de Marcus Baldini
O Rebelde Salvador, de Marc Forster
Enterrado, de Rodrigo Cortés
O Deus da Carnificina, de Roman Polanski
Justiça, de Roger Donaldson

E a história repete-se...

2011-12-27T21:51:00.001Z

Filme português mais visto leva 20 mil ao cinema

"Nos tempos que correm é uma notícia maravilhosa", diz João Canijo sobre os 20 mil espectadores que foram ver Sangue do Meu Sangue , aludindo ao facto de o número de entradas estar em queda. "No futuro não sabemos se vamos fazer filmes."

Sedutora Tentação, de Edward Norton (2000)

2011-12-26T20:44:00.002Z

No final dos anos 1990 e início dos anos 2000 Edward Norton chegou a ser considerado por muitos como um dos melhores actores da sua geração. Apesar de nos últimos anos ter escolhido papéis de menos relevo, é inegável o talento que colocou num bom punhado de interpretações naquela altura. Voltando a essa época, foi no ano 2000 que Edward Norton assinou aquele que é, até à data, o seu único filme enquanto realizador. E o resultado não é o melhor, apesar de uma boa premissa inicial.

«Sedutora Tentação» é a história de dois melhores amigos, um padre (Edward Norton) e outro rabino (Ben Stiller), que vão ter de controlar os sentimentos de amizade e amor quando uma amiga de infância dos dois (Jenna Elfman), com quem formavam um trio inseparável, regressa a Nova Iorque vários anos depois. O problema é que os dois acabam por se apaixonar ao mesmo tempo por Anna e os problemas surgem quando se apercebem disso. Se o rabino Jake aproveita para andar com Anna, mas sem assumir abertamente a relação com receio das reacções da comunidade e do próprio amigo, o padre Brian esconde o sentimento e torna-se o melhor amigo e confidente de Anna, pensando que ela também gosta dele.

É no meio destes desencontros que Edward Norton conta a história de «Sedutora Tentação», um filme que falha como comédia romântica, pois os gags simplesmente não funcionam, e como filme um pouco mais sério, que podia aproveitar e explorar melhor as questões da religião que envolvem as duas personagens principais, mas nunca consegue. As próprias interpretações dos actores por vezes parecem pouco à vontade em algumas cenas. A experiência talvez tenha servido de lição ao actor para não voltar a sentar-se na cadeira de realizador.

Nota: 2/5

Site do filme no IMDB

Banda Sonora: Making Time, de The Creation

2011-12-26T09:04:00.002Z

«Making Time», de The Creation - Banda Sonora de «Gostam Todos da Mesma», de Wes Anderson

Top Wes Anderson

2011-12-25T21:22:00.006Z

Nunca tive grande hábito de criar tops de realizadores. A verdade é que são poucos os cineastas que tenha visto a obra completa. Mas, como tudo na vida, há sempre uma primeira vez para tudo. E o primeiro top de um realizador aqui no «A Última Sessão» vai ser dedicado a um dos meus realizadores preferidos da actualidade e muito provavelmente de sempre. Eis o meu top de Wes Anderson.

Os Tenembaus - Uma Comédia Genial

Gostam Todos da Mesma

The Darjeeling Limited

Um Peixe Fora de Água

O Fantástico Senhor Raposo

Roda Livre

Aonde É Que Pára a Polícia, de David Zucker (1988)

2011-12-24T16:15:00.004Z

Este não é propriamente um filme para a temporada natalícia, se é que existem filmes adequados para diferentes épocas do ano. Fruto da imaginação da tripla ZAZ (David Zucker, Jim Abrahams e Jerry Zucker), «Aonde É Que Pára a Polícia» foi a primeira de três adaptações cinematográficas de uma série de televisão do início dos anos 1980 chamada «Police Squad», uma sátira às séries e filmes policiais da altura, que apesar de ter tido algum sucesso apenas teve direito a seis episódios. O que a ajudou a tornar uma daquelas séries de culto.

Tudo em «Aonde É Que Pára a Polícia», do primeiro ao último frame, é puro non sense. Desde a luta inicial, onde o protagonista Frank Drebin (Leslie Nielsen) desanca em todos os ditadores e mais algum que estão reunidos para planear um ataque aos EUA, até à cena final onde o pobre Nordberg (O.J. Simpson) volta a ser o saco de pancada favorito do filme. E é isso que faz deste filme uma daquelas comédias que nos faz rir com as coisas mais parvas possíveis e imaginárias e com grandes tiradas. Não é que esta possa ser considerada a melhor comédia de sempre, mas se estivermos com espírito para tal, garante grandes gargalhadas. O que até foi o caso, noutras alturas talvez achasse isto uma idiotice pegada.

Nota: 4/5

Site do filme no IMDB

Os Melhores filmes vistos em 2011

2011-12-24T11:57:00.003Z

Esta é a primeira de duas listas dedicadas aos filmes que mais gostei de ver em 2011. Começo com a lista dos filmes mais antigos (ou nem por isso) que vi pela primeira vez em 2011 e que mais gostei. Para a semana será divulgada a lista com os filmes estreados ao longo dos últimos meses e que considerei ser os melhores. Espero que gostem de ambas. Neste caso, é uma boa oportunidade para conhecerem aqueles que não conhecem.

(Nota: esta lista não tem ordem específica de preferência, os filmes são listados por ordem de visionamento)

1 - Os Filhos da Noite, de Nicholas Ray
2 - A Quadrilha Selvagem, de Sam Peckimpah
3 - O Samurai, de Jean-Pierre Melville
4 - Juventude Inquieta, de Francis Ford Coppola
5 - Johnny Guitar, de Nicholas Ray
6 - Mónica e o Desejo, de Ingmar Bergman
7 - Sorrisos de uma Noite de Verão, de Ingmar Bergman
8 - Intriga Internacional, de Alfred Hitchcok
9 - O Denunciante, de John Ford
10 - Fantasia Lusitana, de João Canijo
11 - A Bela de Dia, de Luis Buñuel
12 - O Gabinete do Dr. Caligari, de Robert Wiene
13 - A Fonte da Virgem, de Ingmar Bergman
14 - Laura, de Otto Preminger
15 - Rio Bravo, de Howard Hawks
16 - Antes do Amanhecer, de Richard Linklater
17 - A Noite de Iguana, de John Huston
18 - O Dinheiro, de Marcel L'Herbier
19 - O Desconhecido do Norte Expresso, de Alfred Hitchcock
20 - Finisterrae, de Sergio Caballero
21 - Gravitty Was Everywhere Back Then, de Brent Green
22 - Neds, de Peter Mullan
23 - Noites de Singapura, de Peter Bogdanovich
24 - A.I. Inteligência Artificial, de Steven Spielberg
25 - Os Rapazes da Geral, de Marcel Carné
26 - O Gigante, de George Stevens
27 - O Fantasma do Paraíso, de Brian de Palma
28 - Uma Noite na Ópera, de Sam Wood
29 - Dia de Férias, de Dino Risi
30 - La France, de Serge Bozon
31 - Tempos Modernos, de Charles Chaplin
32 - The Boss of it All, de Lars Von Trier
33 - Há Festa na Aldeia, de Jacques Tati
34 - As Férias do Senhor Hullot, de Jacques Tati
35 - O Comboio das 3:10, de Delmer Davies
36 - Trilogia O Padrinho, de Francis Ford Coppola
37 - O Dia da Saia, de Jean-Paul Lilienfeld
38 - A Lista de Schindler, de Steven Spielberg
39 - Forty Guns, de Samuel Fuller
40 - A Verdade e o Medo, de Fritz Lang
41 - Genealogias de um Crime, de Raul Ruiz
42 - Cidade nas Trevas, de Fritz Lang
43 - O Segredo da Juventude, de René Clair
44 - As Bonecas da Califórnia, de Robert Aldrich
45 - Uma Mulher Sob Influência, de John Cassavettes
46 - O Nascimento de uma Nação, de David W. Griffith
47 - As Sete Ocasiões de Pamplinas, de Buster Keaton
48 - Lola, de Jacques Demy
49 - Le Nom des Gens, de Michel Leclerc
50 - Frankenstein, de James Whale
51 - Os Amantes da Ponte Nova, de Leos Carax
52 - O Fantástico Senhor Raposo, de Wes Anderson
53 - Em Plena Selva, de Tod Browning
54 - Alphaville, de Jean-Luc Godard
55 - Os Quatro Cavaleiros do Apocalipse, de Vincente Minneli
56 - Jovem e Inocente, de Alfred Hitchcock
57 - Namorico, de Max Ophuls
58 - Trilogia 3 Cores de Krzysztof Kieslowski

A Merry Christmas We Wish You

2011-12-22T22:00:00.001Z

«A Última Sessão» deseja aos seus leitores um Feliz Natal

Em Cartaz: Semana 22/12/2012

2011-12-22T20:59:00.004Z

Niko - Na Terra do Pai Natal, de Michael Hegner e Kari Juusonen
O Rei Leão 3D, de Roger Allers e Rob Minkoff
O Quebra-Corações, Pascal Chaumeil
O Miúdo da Bicicleta, de Jean-Pierre Dardenne e Luc Dardenne
O Diário a Rum, de Bruce Robinson
A Toupeira, de Tomas Alfredson

Banda Sonora: Stuck in the Middle with you, de Stealers Wheel

2011-12-19T20:27:00.003Z

«Stuck in the Middle with you», de Stealers Wheel - Banda Sonora de «Cães Danados», de Quentin Tarantino

Em Cartaz: Semana 15/12/2011

2011-12-15T20:32:00.004Z

Uma Separação, de Asghar Farhadi
Efeitos Secundários, de Paulo Rebelo
Alvin e os Esquilos 3: Naufragados, Mike Mitchell
Ano Novo, Vida Nova!, de Garry Marshall
Missão Impossível: Operação Fantasma, de Brad Bird

Banda Sonora: A Real Hero, de College feat. Electric Youth

2011-12-12T19:35:00.002Z

«A Real Hero», de College feat. Electric Youth - Banda Sonora de «Drive - Risco Duplo», de Nicolas Winding Refn

Drive - Risco Duplo, de Nicolas Winding Refn (2011)

2011-12-10T11:05:00.004Z

Pelo que tenho lido nos últimos dias, este parece ser um daqueles filmes que irá gerar ódios e paixões. No meu caso, fico-me pelo meio termo, pois «Drive - Risco Duplo» é um filme que não aquece nem arrefece. Tal como já tinha acontecido quando vi a anterior obra de Nicolas Winding Refn (aqui). Vendo os dois filmes em pouco tempo encontramos alguns aspectos que fazem com que os dois sejam um pouco semelhantes: o excesso de violência estilizada, poucos diálogos, uma bela fotografia e uma grande banda sonora.

Em «Drive - Risco Duplo» muda um aspecto. A acção já não decorre na Idade Média, mas nos dias de hoje. No centro da acção encontramos um duplo de Hollywood e funcionário de oficina que participa como condutor em assaltos nas horas vagas. Tal como a personagem Um-Olho de «Valhalla Rising - Destino de Sangue», também neste caso a personagem principal não tem nome próprio. Esta dupla vida e o facto de ter travado conhecimento com a vizinha do lado, cujo marido está preso, vão mudar a vida do condutor, quando este aceita participar num assalto com o vizinho para que este possa saldar a dívida. Só que o assalto corre mal e o condutor engendra um plano de vingança para tentar descobrir o que se passou.

Um dos problemas de «Drive - Duplo Risco» (e sei que ao dizer isto corro o risco de entrar em contradição) é que tudo parece estar no lugar certo. Mas quando começamos a retirar as camadas, o filme parece um pouco vazio. Está bem filmado, não há dúvidas. Só a sequência inicial vale por muitos filmes de acção que por aí andam. Peca contudo ao insistir na tal estilização da violência, o que também já tinha acontecido no anterior filme de Nicolas Winding Refn. E aqui fico-me apenas pela cena do elevador (podia falar de mais uns quantos, mas iria estragar as surpresas a quem gosta deste tipo de cenas), filmada em câmara lenta. Recurso, aliás, bastante utilizado no filme e que às vezes se torna um pouco irritante.

A estética e a banda sonora muito anos 1980 adequam-se perfeitamente à história, que consegue fugir precisamente ao tal filme de acção mais convencional. E isso é também um dos pontos fortes. Já as actuações, tirando o protagonista Ryan Gosling, que prova uma vez mais a sua versatilidade (este papel não poderia ser mais diferente do que vimos nos recentes «Nos Idos de Março» e «Amor, Estúpido e Louco»), ficam um pouco aquém do esperado. A dupla de mafiosos então, interpretada por Albert Brooks e Ron Perlman, parece ser bastante forçada. Fazendo um trocadilho com o filme, quase que podíamos dizer que foi ali enfiada a martelo. Mesmo que as duas personagens não sejam melhores amigos, falta ali qualquer coisa para aquela relação entre mafiosos funcionar.

Não quero com isto dizer que «Drive - Risco Duplo» seja um mau filme. Nada disso. É um daqueles filmes que se vê bem e até enche o olho. Quem gosta de Cinema, sobretudo quem não quer ver mais um daqueles filmes de acção chapa 4, não sai defraudado da sessão. O problema é mesmo quando começamos a pensar um pouco mais a sério nele, por vezes mesmo durante o visionamento, e parece um pouco vazio. Mesmo sendo um dos filmes obrigatórios do ano, não consigo perceber tanto alarido. Nem a favor, nem contra. Talvez o meu problema tenha sido o facto de ter entrado na sessão com as expectativas demasiado elevadas.

Nota: 3/5

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Cães Danados, de Quentin Tarantino (1992)

2011-12-08T13:45:00.006Z

Se Quentin Tarantino é um dos realizadores mais aclamados nos dias de hoje, tal deve-se sobretudo a «Pulp Fiction», filme que lhe abriu as portas da Sétima Arte em 1994 quando conquistou a Palma de Ouro em Cannes e três nomeações para os Óscares (Melhor Filme, Realizador e Argumento Original, assinado a meias com Roger Avary), das quais ganharia uma estatueta. Mas foi dois anos antes que o ex-empregado de um videoclube que afirma nunca ter estudado Cinema (assim reza a lenda) começou a dar nas vistas no Festival de Sundance, a Meca do cinema independente, onde apresentou «Cães Danados».

Tudo o que vemos nesta obra de estreia (oficialmente, pois há quem diga que Tarantino fez um outro filme nos anos 1980 mas que é hoje renegado por ele próprio) vamos encontrar mais tarde na restante obra do realizador. Em primeiro lugar temos uma homenagem a um género específico. Neste caso trata-se de um policial de série B que retrata o rescaldo de um assalto a uma joalharia que corre mal, pois um dos elementos do grupo de assaltantes traiu o golpe avisando a polícia. Outro dos aspectos reconhecíveis na filmografia de Tarantino são os diálogos, escritos de forma imaculada e quase perfeitos. Logo o primeiro, quando os assaltantes falam sobre «Like a Virgin», de Madonna, indicia mais um dos amores de Tarantino: as grandes bandas sonoras de autores meio perdidos no tempo, mas que ficam no ouvido. É também através destes diálogos que o realizador homenageia os seus ídolos. Para os mais atentos, em «Cães Danados» encontramos um diálogo sobre Pam Grier, actriz que mais tarde foi escolhida para interpretar «Jackie Brown».

A forma como a história é contada, através de inúmeros flashbacks que servem para apresentar as personagens, é outra das imagens de marca do realizador, que irá ser aprofundada mais tarde nos filmes seguintes. Por fim, temos as personagens sui generis e os actores escolhidos para as interpretar. Neste primeiro filme ainda não temos grandes estrelas, mas encontramos nomes com algum estatuto: Harvey Keitel, Chris Penn, Michael Madsen, Steve Buscemi ou Tim Roth, por exemplo. «Cães Danados» não é um filme perfeito, mas está lá perto. Foi a primeira grande homenagem que Tarantino fez a um certo tipo de Cinema que o realizador gosta e que continuaria a fazer ao longo da sua carreira quando abordou filmes Blaxploitation («Jackie Brown»), filmes de ninjas (o díptico «Kill Bill»), grindhouse («À Prova de Morte») ou um certo tipo de western spaghetti adaptado à II Guerra Mundial («Sacanas Sem Lei»). E este é um daqueles filmes que quase pode ser visto como uma declaração de interesses de um realizador estreante, que resolve mostrar as cartas e ao que vai logo na primeira obra.

Nota: 4/5

Site do filme no IMDB

Em Cartaz: Semana 08/12/2012

2011-12-08T13:35:00.003Z

Uma Casa Para o Natal, de Hjelm til Jul
Transgressão, de Joel Schumacher
Os Olhos da Guerra, de Danis Tanovic
O Menino Nicolau, de Laurent Tirard
Drive - Risco Duplo, de Nicolas Winding Refn
Happy Feet 2, de George Miller

Banda Sonora: Happy Together, de The Turtles

2011-12-05T20:46:00.002Z

«Happy Together», de The Turtles - Banda Sonora de «Inadaptado», de Spike Jonze

Trilogia 3 Cores, de Krzysztof Kieslowski (1993-1994)

2011-12-04T20:06:00.007Z

Há obras que têm de ser vistas em conjunto, mesmo quando são feitas por episódios. É esse o caso de «Azul», «Branco» e «Vermelho», a chamada trilogia 3 Cores realizada por Krzysztof Kieslowski no início dos anos 1990 e que acabariam por ser os últimos filmes do realizador polaco. A trilogia partiu, simplificando um pouco esta parte, de uma premissa simples: fazer três filmes dedicados a um tema correspondente às três cores da bandeira de França. Os filmes foram precisamente Azul (Liberdade), Branco (Igualdade) e Vermelho (Fraternidade), que apesar de poderem ser vistos de forma independente, devem ser vistos de seguida pois têm alguns pontos de contacto, pequenos pormenores é certo, mas que acabam por se juntar todos no último filme «Vermelho».

E se a ideia inicial parece ser algo de muito complicado, o resultado acaba por ser um conjunto de filmes tão simples, como belos, cada um à sua maneira específica. Começa com «Azul», a história de Julie (Juliette Binoche, muito bem, como é hábito), a esposa de um famoso compositor que perde o marido e o filho logo no início do filme. Depois de um período em que não sabe como reagir à morte dos seus familiares, o regresso à normalidade, desta vez sozinha, e a descoberta de alguns factos do passado do marido, fazem-na renascer, de uma certa forma.

No episódio do meio, «Branco», a história centra-se em Karol Karol (Zbigniew Zamachowski), um polaco que regressa à Polónia depois de se divorciar da esposa Dominique (Julie Delpy). Completamente de rastos Karol engendra um plano para enriquecer, imitando os pequenos criminosos locais e com a ajuda do companheiro que o ajudou a regressar a casa. No final descobrimos o verdadeiro objectivo de Karol e aquele plano final do filme é qualquer coisa para nos deixar arrebatados.

Tudo termina em «Vermelho», dos três filmes o que tem aspectos um pouco mais bizarros, se assim se pode dizer, mas sem contudo deixar de ser um grande filme. Tudo devido à relação que surge entre Valentine (Irène Jacob), uma jovem modelo que vive uma relação à distância por telefone, e um juiz reformado (Jean-Louis Trintignant) que vive perto de si. Os dois conhecem-se quando a jovem atropela a cadela do juiz e ao ir a casa do ancião descobre que ele escuta as conversas das pessoas. De início fica irritada com aquela atitude, mas à medida que os dois se vão conhecendo a relação evolui e ambos percebem as razões que os levam a ter determinadas atitudes.

Escolher dos três filmes qual é o melhor ou mesmo o preferido é bastante complicado, pois cada uma das cores tem as suas peculiaridades e todos os três filmes foram feitos de forma diferente, mas ao mesmo tempo complementar. Não há uma forma idêntica de filmar, as histórias podem até ter uma base comum (as relações entre as pessoas) e um tema específico, mas todos estão feitos de forma a conseguir uma daquelas obras que funcionam como um somatório das partes. Um dos aspectos que mais se nota na diferenciação entre os três filmes, além da forma de filmar em si, é a fotografia, que difere um pouco entre cada um dos episódios. E, para concluir, a Trilogia 3 Cores de Krzysztof Kieslowski é uma das obras fundamentais do Cinema europeu dos anos 1990.

Nota: 4/5

Melancolia, de Lars Von Trier (2011)

2011-12-03T10:47:00.003Z

Lars Von Trier é um realizador ambíguo e como poucos é capaz de gerar ódios e amores como quem muda de camisa. Basta ver a recente polémica do Festival de Cannes quando apresentou precisamente «Melancolia». Polémicas à parte, goste-se ou não do enfant terrible dinamarquês, o que é certo é que estamos perante um dos grandes filmes deste final de ano. Uma vez mais não é um filme de digestão fácil aquele que Von Trier nos apresenta, esta história de duas irmãs que se aproximam quando o mundo está perto do fim.

Dividido em duas partes, com o nome de cada uma das irmãs (Justine: Kirsten Dunst; Claire: Charlotte Gainsbourg), «Melancolia» começa por relatar o dia de casamento de Justine que acaba da pior forma possível, quando durante o copo de água a noiva se apercebe que se calhar não tem estômago para uma vida a dois. As pressões são tantas e vêm de tantos lados que Justine acaba por colapsar e entra em depressão, deixando partir todos os que gostavam dela. Esta primeira parte é toda de Dunst, que consegue ter uma das suas melhores interpretações.

Na segunda parte, Justine é convidada por Claire para passar uns dias em sua casa para recuperar do estado depressivo em que se encontra. Este período coincide com a aproximação do planeta Melancolia, que está em rota de colisão com a Terra e caso isso aconteça será o fim do mundo. Desta vez Justine é relegada para segundo plano e o filme passa a centrar-se em Claire, que não consegue lidar com a possibilidade do fim do mundo, apesar de o seu marido, um cientista com conhecimentos de astronomia, a tentar convencer que não se passa nada.

«Melancolia» não é um grande filme devido à história, que é simples: a relação entre duas irmãs antes do fim do mundo. O novo Von Trier é um grande filme devido à forma como consegue captar a essência e os sentimentos das personagens num período complexo. E tem uma fotografia belíssima que aproveita os cenários, a acção decorre praticamente sempre no castelo do marido de Claire, para nos levar para aquele ambiente. O único aspecto negativo para mim, mas isso é mais a nível de gosto pessoal, é uma certa forma como a primeira parte é filmada: muita câmara à mão que por vezes nos deixa um pouco tontos com tantas mudanças bruscas de direcção. Fora isso, «Melancolia» é mesmo um dos melhores filmes que estrearam nos últimos tempos e vai muito em linha com o que Von Trier já tinha feito no anterior «Anticristo».

Nota: 4/5

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Inadaptado, de Spike Jonze (2002)

2011-12-01T16:00:00.005Z

Em 1999 a dupla Spike Jonze e Charlie Kaufman juntou esforços, o primeiro enquanto realizador e o segundo como argumentista, para nos dar um genial filme chamado «Queres Ser John Malkovich?». O filme acabou também por marcar a estreia de ambos na Sétima Arte. Três anos depois regressaram ao trabalho e o resultado não poderia ter sido melhor. «Inadaptado» conta a história de um argumentista, o próprio Kaufman, interpretado por Nicholas Cage, no rescaldo de «Queres Ser John Malkovich?» com dificuldade em escrever um novo argumento, devido a um bloqueio criativo. O tema do novo argumento, uma história sobre um caçador de orquídeas, não ajuda muito e a pressão em cima de Kaufman, que vem de todos os lados, desde o estúdio que não vê resultados ao gémeo Donald que tem mais sucesso do que Charlie apesar de não levar as coisas tão a sério, apenas pioram a situação.

«Inadaptado» é um daqueles grandes filmes, um dos melhores da última década, que nos faz pensar e puxar pela cabeça, tal como o anterior filme desta dupla já tinha feito bastante bem. E o filme não é mais do que um jogo entre o Kaufman e o espectador, algo que o argumentista é especialista (basta ver a sua estreia na realização «Sinédoque, Nova Iorque», também bastante recomendável, ou os argumentos que escreveu para Michel Gondry), criando labirintos e narrativas cruzadas que às tantas não conseguimos destrinçar se aquele bloqueio existiu de facto ou não. O que é certo é que perto do final a história avança por caminhos que poderiam ter sido escritos por Donald Kaufman, personagem que não existe na realidade a não ser no filme. Isto apesar de o filme ser assinado por Charlie e Donald Kaufman, em mais um jogo de espelhos magnífico.

A cereja no topo do bolo é mesmo a interpretação de Nicholas Cage, no papel dos dois gémeos, que nos faz lembrar que o sobrinho de Copppola quando quer até consegue ser um bom actor. Pena que esta faceta nos últimos anos esteja cada vez mais desaparecida. Junto de Cage encontramos ainda uma genial dupla (Meryl Streep e Chris Cooper) que uma vez mais está à altura do que lhes é pedido, e que ajudam «Inadaptado» a ser não só um dos grandes filmes da primeira década do século XX, como um daqueles filmes que dá gosto ver e rever, pois descobrimos sempre algo de novo.

Nota: 5/5

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Em Cartaz: Semana 01/12/2011

2011-12-01T10:06:00.003Z

Anónimo, de Roland Emmerich
A Dívida, de John Madden
O Gato das Botas, de Chris Miller
Melancolia, de Lars von Trier

Drácula de Bram Stoker, de Francis Ford Coppola (1992)

2011-11-30T23:28:00.010Z

Quando revemos filmes que gostávamos bastante quando éramos mais novos por vezes corremos o risco de ficar desiludidos. Acabou de me acontecer isto ao rever «Drácula de Bram Stoker», a adaptação do romance gótico de Bram Stoker assinada por Francis Ford Coppola, realizador que admiro bastante. Não quero com isto dizer que o filme seja mau. Antes pelo contrário, é um grande filme de terror e faz justiça à obra que pretende adaptar. Mas vinte anos depois pareceu-me um filme que envelheceu mal, perdoem-me os fãs do filme.

Drácula é uma daquelas personagens que já chegou ao cinema através de inúmeros olhares. Dos mais clássicos «Nosferatu» ou «Drácula», realizados por F. W. Murnau e Tod Browning, respectivamente, aos mais recentes «Drácula 2000» (Patrick Lussier) ou «Lust for Dracula» (Tony Marsiglia). Em 1992 foi a vez de Francis Ford Coppola pegar na obra de Bram Stoker e filmar a história do vampiro, interpretado magistralmente por Gary Oldman, um dos melhores actores a interpretar vilões (o que neste caso até pode ser discutível). Os acontecimentos do filme centram-se na ida de Drácula a Inglaterra para ir ao encontro de Mina (Winona Ryder), a noiva do advogado Jonathan Harker (Keanu Reeves), que foi à Transilvânia levar um contrato de compra de propriedades em Londres a Drácula. As semelhanças de Mina com a esposa do conde, cujo trágico destino ficamos a conhecer no início do filme e que fez com que Drácula se torna-se no que é, levam o vampiro a seguir para Londres para a tentar conquistar. O resto é conhecido, com a perseguição levada a cabo por Van Helsing (Anthony Hopkins) para apanhar o seu inimigo.

Um dos grandes pontos fortes desta adaptação do romance de Bram Stoker é a recriação da época e do ambiente gótico, que se nota em inúmeros pormenores: desde o castelo de Drácula às ruas de Londres, passando pelo hospício onde está internado o louco Reinfeld (Tom Waits), servo de Drácula, e até na caracterização dos actores. O que acaba por desiludir são alguns efeitos especiais, que apesar de não serem maus, ficaram datados e ofuscam um bocado os pormenores góticos tão bem conseguidos. E a própria forma de filmar é um pouco distante do melhor Coppola, que no início dos anos 1990 era um realizador um pouco à deriva. Mesmo assim este é capaz de ser um dos seus melhores filmes, senão mesmo o melhor, desta fase.

Nota: 3/5

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Inquietos, de Gus Van Sant (2011)

2011-11-29T22:00:00.001Z

Já aqui referi a estreia de «Inquietos», a mais recente longa-metragem de Gus van Sant, a propósito de «50/50». O tema é semelhante, mas a forma como é tratado nos dois casos não podia ser mais distante. Se o último é uma comédia dramática, sobre um jovem que enfrenta o cancro como uma luta, tentando ser positivo com a ajuda dos que lhe são próximos, «Inquietos» é o completo oposto, apesar de mesmo assim as personagens não verem o cancro como uma fatalidade, mas algo que infelizmente acontece. Como se se resignassem ao facto de uma das personagens poder morrer devido à doença e não ter muito a fazer se não aguardar a morte.

E é um grande filme. Arriscaria mesmo dizer que a história de amor entre Enoch (Henry Hopper, filho de Dennis Hopper, a quem este filme é dedicado) e Annabel (Mia Wasikowska, cada vez mais um talento em crescendo) captada por Gus van Sant é um dos mais belos filmes do ano. Ambos os protagonistas são jovens que vivem uma fase complicada da vida e o encontro entre os dois vai dar-lhes uma oportunidade para ultrapassarem os seus problemas juntos. Mesmo sabendo que alguns são inultrapassáveis. Enoch tenta afastar o luto pela morte dos pais e Annabel a doença que sabe ser fatal. Durante aqueles poucos meses em que ambos se apaixonam e vivem uma relação intensa tudo parece ser possível.

Com uma bela fotografia e uma bem conseguida banda sonora assinada por Danny Elfman, «Inquietos» não é um dos filmes mais experimentalistas de Van Sant, como «Elephant», «Gerry» ou «Last Days», mas antes um filme mais simples quando comparado com algumas obras recentes do cineasta. No campo da interpretação, é bom ver que Dennis Hopper deixou descendência à altura, apesar de se notar que Henry ainda precisa de evoluir mais. Mas neste primeiro papel já fez lembrar um pouco o pai quando era mais novo. Quanto a Mia Wasikowska, nada a apontar, a não ser que esta é uma das melhores jovens actrizes que tem surgido nos últimos anos. A versatilidade das suas interpretações volta a ser posta à prova neste filme onde, uma vez mais, consegue brilhar.

Nota: 4/5

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Banda Sonora: Two of Us, de The Beatles

2011-11-28T19:48:00.002Z

«Two of Us», de The Beatles - Banda Sonora de «Inquietos», de Gus van Sant

As Consequências do Amor, de Paolo Sorrentino (2004)

2011-11-26T09:10:00.004Z

Quando realizou «Il Divo - A Vida Espectacular de Giulio Andreotti» em 2008, um retrato do ex-presidente italiano Giulio Andreotti movido a anfetaminas, o realizador Paolo Sorrentino tornou-se um dos nomes mais conhecidos da cinematografia italiana recente. Mas foi com a sua segunda obra «As Consequências do Amor», realizado quatro anos antes, que começou a cimentar o seu espaço na Sétima Arte. Em comum a ambos os filmes encontramos pelo menos dois aspectos: Toni Servillo como actor principal e um modo de filmar bastante peculiar, com movimentos de câmara que por vezes parecem estranhos mas que se adequam perfeitamente à narrativa e à banda sonora, em tons de electrónica.

Em «As Consequências do Amor» travamos conhecimento com Titta di Girolamo (Toni Servillo), um homem com perto de 50 anos que vive sozinho num hotel situado na Suíça. Homem de poucas palavras e com uma maneira um pouco distante de ver o mundo e de lidar com todos os que o rodeiam, Titta acaba por se apaixonar por Sofia (Olivia Magnani), a empregada do bar do hotel onde vive, e o castelo que pensava ter erigido começa a desmoronar-se. Tal como ele já tinha previsto ao escrever uma nota, num dos momentos onde tenta evitar contacto com Sofia para não se ligar a ela, onde diz para não subestimar as consequências do amor.

É a história deste homem solitário, filmada através da tal forma peculiar de Sorrentino, estilo que será aprofundado mais tarde em «Il Divo...», que faz de «As Consequências do Amor» um filme que mesmo não sendo um dos grandes filmes italianos dos últimos anos, merece uma vista de olhos. Quem gostou do já citado «Il Divo...» vai de certo gostar de ver o início de carreira do realizador e pode contar com mais uma grande interpretação de Toni Servillo.

Nota: 3/5

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Os Tenenbaums - Uma Comédia Genial, de Wes Anderson (2001)

2011-11-25T17:56:00.008Z

Um dos realizadores norte-americanos da actualidade que mais aprecio, como já aqui tive oportunidade de referir quando escrevi sobre «O Fantástico Sr. Raposo», é Wes Anderson. E o grande culpado é este grande (para não dizer enorme) filme, realizado no início da década passada e que deve ser, muito provavelmente, o filme que mais vezes vi e há-de ser sempre um dos meus favoritos. Não só é um grande filme sobre uma família disfuncional, cujo 'chefe de família' Royal Tenenbaum é um dos melhores personagens a quem Gene Hackman deu vida (apenas uma no historial deste actor que tem andado um pouco afastado da ribalta), mas também porque todo o filme faz parte de um universo muito bem criado. Esta capacidade de criar universos bastante peculiares é precisamente uma das características que mais me agrada na obra de Wes Anderson.

Falando particularmente de «Os Tenenbaums - Uma Comédia Genial», esta é a história de uma família meio estranha cujos alicerces começam a ruir quando Royal decide separar-se da esposa Etheline (Angelica Huston), decisão que vai ter grande influência negativa no crescimento dos três filhos prodígio do casal: Chas (Ben Stiller), um génio da alta finança, Richie (Luke Wilson), um ás precoce do ténis, e Margot (Gwyneth Paltrow), filha adoptiva do casal e autora de diversas peças de teatro. Depois de um genial início onde a história da família é contada como se fosse o prólogo de um livro (aliás o filme está precisamente separado por capítulos como se fosse mesmo um livro que estamos a ver em vez de ler), regressamos ao presente, quando Royal descobre que a sua esposa (o casal nunca se chegou a divorciar de facto) está prestes a receber uma proposta de casamento de Henry Sherman (Danny Glover), o contabilista da família. Royal planeia então regressar a casa e tentar redimir-se e recuperar o tempo perdido, inventando um cancro que lhe daria poucos dias de vida.

É este regresso do pai 'pródigo' que espoleta um conjunto de reacções em cadeia que mexe com todos os três filhos e faz deste filme um daqueles momentos mágicos de cinema onde tudo está no lugar certo. A história, os personagens, a fotografia, a banda sonora e por aí fora. Até Owen Wilson, actor que não consigo ser grande fã, a não ser precisamente nos filmes filmes de Wes Anderson, e que aqui assina também o argumento (o que não é inédito na obra do realizador), consegue estar à altura do filme. E tem um dos finais que mesmo sendo triste consegue ser ao mesmo tempo belo e irónico (e não são todos os filmes de Anderson um pouco irónicos?) como poucos conseguem ser. Que nos deixa com uma lágrima no canto do olho e com um sorriso nos lábios. Este é mesmo um daqueles filmes para ver e rever, vezes sem conta.

Nota: 5/5

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50/50, de Jonathan Levine (2011)

2011-11-24T18:35:00.009Z

(crítica com spoilers)
Abordar um tema como o cancro não é fácil. Curiosamente estrearam recentemente dois filmes com esta temática: «Inquietos», de Gus van Sant, e «50/50», de Jonathan Levine. Se o primeiro tem um teor mais dramático (não posso abordá-lo demasiado por ainda não o ter visto, algo que deverá estar para breve), o segundo é uma comédia dramática sobre a luta pela vida de um jovem de 27 anos que descobre ter um cancro bastante raro e cujas hipóteses de sobrevivência são 50/50.

Protagonizado por Joseph Gordon-Levitt, com uma interpretação à altura do que nos tem vindo a habituar, o terceiro filme de Jonathan Levine vai um bocado no caminho do anterior «Wackness - À Deriva», ao ser um daqueles filmes indie feel good com uma boa história que acaba por se perder no caminho. «50/50» falha sobretudo por ter demasiados clichés que o tornam bastante previsível e infelizmente não traz muito de novo. Já sabemos por quem a personagem principal se vai apaixonar, que os seus companheiros de quimioterapia mais velhos são levados da breca, etc., etc.

A interpretação de Gordon-Levitt está fabulosa, como já referi dentro do registo normal deste grande actor que tem conseguido gerir uma boa carreira entre o cinema independente e um cinema mais popular, e a presença de Seth Rogen como melhor amigo de Adam (Joseph Gordon-Levitt) foi uma boa escolha, pois nota-se mesmo uma grande empatia entre os dois actores. E não nos podemos esquecer que a presença de Rogen é sempre garantia de bons momentos divertidos, que balançam com os períodos mais complicados da vida de Adam. O esforço de ambos merecia ter sido mais bem recompensado, num filme que acaba por não ser mais do que um feel good movie com muito potencial perdido. E Jonathan Levine volta a não convencer-me, apesar de ter o mérito de ter conseguido não cair num tom mais lamechas que o tipo de filme que «50/50» é facilmente poderia ter.

Nota: 3/5

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Em Cartaz: Semana 24/11/2011

2011-11-24T18:30:00.002Z

Imortais, de Tarsem Singh
Um Método Perigoso, de David Cronenberg
Arthur Christmas, de Sarah Smith
Habemus Papam - Temos Papa, de Nanni Moretti

Nos Idos de Março, de George Clooney (2011)

2011-11-22T20:01:00.004Z

Seis anos depois de «Boa Noite, e Boa Sorte», um dos melhores filmes dos últimos dez anos vindos dos lados de Hollywood, George Clooney volta a realizar um filme político. Infelizmente, o resultado fica bastante longe do título protagonizado por David Strathairn sobre o 'confronto' entre o jornalista Edward R. Murrow e o senador Joseph McCarthy, em plena época da caça às bruxas (comunistas). Mas há alguns pontos de contacto entre os dois: um grande elenco, sobretudo a nível de secundários (Marisa Tomei, Paul Giamatti, Philip Seymour Hoffman ou o próprio Clooney), a temática política e até, apesar de ser um aspecto pouco abordado, um certo olhar sobre os Media.

«Nos Idos de Março» é a história de Stephen Meyers (Ryan Gosling, um dos melhores actores da actualidade, para mim, e que está a atravessar um período de estado de graça), um homem com cerca de 30 anos que é um dos principais responsáveis pela campanha eleitoral do governador Mike Morris (George Clooney), um dos candidatos democratas à Casa Branca. O filme relata um período específico que remonta às primárias do partido realizadas no estado do Ohio, considerado fundamental para as aspirações dos dois candidatos.

Mas não é a campanha em si que está no centro do filme, antes os meandros dessa mesma campanha e os jogos de bastidores, nem sempre muito claros, que acabam por colocar Stephen no olho do furacão: quando surgem várias pequenos incidentes que podem pôr em causa a campanha de Morris ou mesmo a carreira de Stephen, todos se começam a mexer para aproveitar a situação. Uns melhor do que os outros, como sempre, e com mais ou menos escrúpulos. Esta faceta está muito bem representada e talvez «Nos Idos de Março» possa ser visto como um certo olhar desiludido sobre a política norte-americana e os tais jogos de bastidores um pouco obscuros.

Tudo o resto peca por ser pouco explorado. As várias histórias que vão ocorrendo acabam por ser despachadas à velocidade da luz, sobretudo à medida que o filme se vai aproximando do filme, e dois dos principais secundários (Giamatti e Seymour Hoffman) estão um pouco mal aproveitados, quase como que para encher um buraco. Resta uma boa interpretação de Gosling e um ou outro achado, mas não chega para fazer um bom filme.

Nota: 3/5

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Jovem e Inocente, de Alfred Hitchcock (1937)

2011-11-21T19:40:00.002Z

«Jovem e Inocente» foi o penúltimo filme de Alfred Hitchcock feito no Reino Unido e já nessa altura o realizador mostrava azo de vir a ser um dos mestres do suspense. Este filme, de 1937, não foge à regra ao contar a história de Robert Tisdall (Derrick De Marney), um homem que se vê acusado do homicídio de uma célebre actriz, que apenas vemos no início do filme: quando tem uma discussão com o seu marido e mais tarde numa excelente sequência onde Hitchcock nos baralha com um braço que parece pertencer a um banhista a nadar, até que acabamos por nos aperceber que o braço pertence ao cadáver da actriz a dar à costa.

Uma pequena confusão provocada por duas jovens que acusam Robert de ter fugido do local do crime, quando apenas pretendia alertar as autoridades, faz avançar uma trama bem conhecida dos fãs dos filmes de Hitchcock: a fuga de um inocente enquanto tenta provar a sua inocência com a ajuda de uma companheira. Neste caso trata-se da filha de um dos chefes da polícia que está no encalço de Robert, o que acaba por causar problemas a todos. E, uma vez mais, o que acaba por interessar a Hitchcock é a relação entre o par e não necessariamente o assassinato da actriz, que facilmente sabemos quem foi.

Dois grandes momentos de «Jovem e Inocente» dão também mostras do gosto que Hitchcock tinha em deixar a audiência em suspense: a cena da mina, quando Erica (Nova Pilbeam), a amada de Robert, está prestes a cair nas profundezas, e todo o final do filme, quando encontramos o assassino e o seu tique que acaba por ser a marca que nos ajuda a identificá-lo. A forma como esta sequência está feita mostra toda a genialidade do mestre Hitchcock.

Para os curiosos, o filme pode ser visto no YouTube, o link está aí em baixo.

Nota: 4/5

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Banda Sonora: Love Like A Sunset Part I, de Phoenix

2011-11-21T19:24:00.003Z

«Love Like A Sunset Part I», de Phoenix - Banda Sonora de «Somewhere - Algures», de Sofia Coppola

Em Cartaz: Semana 17/11/2011

2011-11-17T20:44:00.005Z

O Mundo no Arame, de Rainer Werner Fassbinder
A Pele Onde Eu Vivo, de Pedro Almodóvar
Os Encantos do 6º Andar, de Philippe Le Guay
A Saga Twilight: Amanhecer - Parte I, de Bill Condon

TCN Blog Awards 2011: A Última Sessão nomeado na categoria de Melhor Artigo

2011-11-14T23:41:00.005Z

Acabam de ser conhecidos os nomeados da edição deste ano dos TCN Blog Awards, iniciativa promovida pelo blogue Cinema Notebook que visa distinguir o que de melhor se faz na blogosfera portuguesa dedicada ao Cinema e Televisão. Tal como no ano passado, quando este cantinho recebeu uma nomeação, que confesso que muito me orgulhou, na categoria de Melhor Novo Blogue, «A Última Sessão» volta a estar no lote dos nomeados, desta vez na categoria de Melhor Artigo, pelo texto «Para onde vão os espectadores do Cinema português?». A concorrência é demasiado forte, e tal como no ano passado, não conto ganhar. De qualquer forma, as votações arrancam amanhã no Cinema Notebook e convido-vos a conhecer os restantes candidatos, alguns muito mais fortes do que o meu texto, e a votar. Aproveito também para dar os parabéns aos restantes candidatos em todas as categorias, que merecem tanto ou mais do que eu. Os vencedores vão ser conhecidos no próximo dia 7 de Janeiro.

Banda Sonora: Fantastic Mr. Fox aka Petey's Song, de Jarvis Cocker

2011-11-14T19:06:00.002Z

«Fantastic Mr. Fox aka Petey's Song», de Jarvis Cocker - Banda Sonora de «O Fantástico Senhor Raposo», de Wes Anderson

Em Plena Selva, de Tod Browning (1928)

2011-11-14T09:03:00.004Z

Tod Browning e Lon Chaney, não há que enganar, formaram uma das grandes duplas do cinema mudo. O primeiro como realizador e o segundo como actor, fizeram 10 filmes em conjunto durante os anos 1920 e a parceria só não deu mais frutos, inclusive na versão de «Drácula» assinada por Browning, que queria ter Chaney no papel do conde, devido à morte precoce do actor aos 47 anos. O azar de uns, abriu portas a outros e a mítica adaptação do romance de Bram Stoker feita por Tod Browning para a Universal acabou por dar à Sétima Arte uma outra lenda dos filmes de terror: Bela Lugosi.

«Em Plena Selva» («West of Zanzibar», no original) foi o nono dos dez filmes de Browning protagonizado por Chaney e uma vez mais somos transportados para ambientes à margem da sociedade e de certa forma com tons onde reina o macabro e o estranho. Tudo começa quando o mágico Phroso (Lon Chaney) descobre que a sua esposa e companheira de palco Anna (Jacqueline Gadsden) vai fugir com o amante Crane (Lionel Barrymore, outro actor conhecido dos fãs do realizador). Antes da fuga propriamente dita e numa luta entre os dois Phroso cai de uma altura elevada e fica paralítico.

É nesta condição que o encontramos passados alguns anos, em plena selva a Oeste de Zanzibar como refere o título original do filme, onde se tornou líder de uma tribo local. E é neste cenário que planeia a sua vingança contra o homem que lhe destruiu a vida e a da sua antiga esposa. Tal como em «O Homem Sem Braços», também de Browning, Chaney mostra aqui uma vez mais alguma versatilidade em encarnar um personagem que tem de se adaptar à falta de condições físicas para conseguir sobreviver e levar a cabo os seus planos. O resultado é um excelente filme de terror do período mudo, onde Chaney e Browning provam porque foram uma dupla de sucesso: o primeiro por ter criado uma nova personagem que consegue impressionar o espectador, apesar de no fundo ainda ter alguma réstia de humanidade, como se vê no final do filme, e o segundo a criar um ambiente fantástico, que nos leva a mundos reais, mas que muitas vezes são escondidos à generalidade das pessoas. Mundos que foram a base do cinema de Browning, um cineasta que merece ser descoberto para além do bastante conhecido «A Parada de Monstros». À falta de trailer no YouTube, deixo-vos a sequência inicial.

Nota:4/5

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O Fantástico Senhor Raposo, de Wes Anderson (2009)

2011-11-13T10:26:00.007Z

Declaração de interesses: o autor deste blogue é um grande fã da obra de Wes Anderson. Há mistérios na distribuição em Portugal que não se percebem. Um dos maiores dos últimos tempos foi como é que este filme não teve direito a chegar às salas de cinema. Isto apesar de ter sido realizado por um dos grandes cineastas norte-americanos da actualidade, na sua estreia no mundo da animação, de ter sido nomeado para o Óscar de Melhor Filme de Animação (o que nos dias que correm até nem é grande justificação, mas sempre podia ser um chamariz para as bilheteiras), de contar com um elenco de luxo encabeçado por George Clooney e Meryl Streep e, finalmente, por ser um grande filme, que, como a maior parte dos filmes de animação recentes, tanto atrai um público infantil como um público mais adulto.

«O Fantástico Senhor Raposo» é, até à data, o último filme de Wes Anderson, cineasta que foi homenageado pelo Estoril & Lisbon Film Festival deste ano com uma retrospectiva integral da sua obra. O realizador só não esteve presente no evento, apesar de ter feito pequenos vídeos de apresentação para cada um dos seus filmes projectados, por estar a finalizar a sua próxima longa-metragem. Baseado num livro de Roald Dahl, «O Fantástico Senhor Raposo» foi o primeiro filme de Anderson em animação, feito na técnica de stop motion. Nele assistimos à história do Senhor Raposo (George Clooney), uma raposa que acede ao pedido da sua companheira (Meryl Streep) de deixar uma carreira de sucesso como ladrão de galinheiros para se dedicar à família, numa altura em que a sua parceira anuncia estar grávida.

Alguns anos mais tarde, o senhor Raposo, farto da monotonia do seu trabalho de cronista num jornal local, resolve regressar ao activo para um último golpe: roubar três quintas, cada uma especializada em produtos diferentes. Depois de convencer o seu amigo Kylie (Wallace Wolodarsky), um dos personagens mais deliciosos do filme, ambos partem para novas aventuras, que acabam mal, com a retaliação dos donos das quintas que põe em causa toda a vida animal da região.

Além desta história, que mistura alguma acção, há também a relação do senhor Raposo com o filho e a família e com a restante comunidade de animais, cada um com as suas características próprias e com as vozes de actores que habitualmente encontramos nos filmes de Wes Anderson, que vem dar alguma moral ao filme. E findo o filme, ficamos agarrados e cativados por estas estranhas criaturas, que no fundo apenas querem sobreviver e se comportam como humanos. E continuamos sem perceber, como é que este filme não chegou às salas.

Nota: 4/5

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O Labirinto do Fauno, de Guillermo del Toro (2006)

2011-11-12T10:32:00.006Z

Durante os primeiros dez anos deste século se houve alguém que conseguiu levar o cinema fantástico às massas esse nome foi Peter Jackson, autor da brilhante adaptação da trilogia «O Senhor dos Anéis» ao grande ecrã. Mas dentro deste género houve um outro nome, talvez não tão conhecido, mas que também pode ser considerado um mestre nesta área, chamado Guillermo del Toro, que nos trouxe uma grande obra. Trata-se de «O Labirinto do Fauno» e é um filme extraordinário que mistura o fantástico, alguns pozinhos de horror e até traços de filme de época, pois a acção decorre durante a Guerra Civil de Espanha. Cenário que já tinha sido palco de outro excelente filme do mexicano, este um pouco mais de terror, mas também com alguns aspectos do género fantástico, chamado «Nas Costas do Diabo».

Mas centremo-nos em «O Labirinto do Fauno», filme que conta a história de Ofelia (Ivana Baquero), uma criança órfã de pai que vai com a mãe Carmen (Ariadna Gil), grávida em estado avançado, viver com o padrasto, o capitão Vidal (Sergi López) do exército franquista que foi destacado para uma região montanhosa para derrotar os rebeldes comunistas. Quando o filme arranca parece que estamos perante um drama de guerra, mas o livro que Ofelia leva consigo, onde ela lê uma estranha lenda, e o surgimento de um estranho insecto que a rapariga confunde com uma fada vai ser o ponto de partida para que uma outra lenda comece a ganhar forma e Ofelia se veja envolvida num conjunto de missões para fazer cumprir essa mesma lenda.

Não sendo um filme que possa agradar a todos, sobretudo os que não gostam de muita fantasia, «O Labirinto do Fauno» é sem dúvida uma das obras mais peculiares dos primeiros anos deste século. Não só a nível do próprio fantástico, que está bem presente numa grande história com ambientes e criaturas bastante bem conseguidas, que ainda hoje continuam a deliciar como há cinco anos (não foi à toa que o filme ganhou três Óscares em categorias técnicas nesse ano), mas também pela própria prestação dos actores. Aqui, o destaque vai para o capitão Vidal, um personagem bastante sádico interpretado de forma magistral por Sergi López, e também para Maribel Verdú, que interpreta uma das criadas do capitão que ajuda os rebeldes e se torna das poucas amigas de Ofelia num ambiente hostil para a criança, que vê na história do fauno um escape para a realidade. E com Guillermo del Toro vamos com Ofelia em busca de um mundo melhor.

Nota: 5/5

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Ukbar Filmes apresenta 1º teaser de «Florbela»

2011-11-10T20:58:00.004Z

A Ukbar Filmes acaba de colocar on-line o primeiro teaser para «Florbela», o segundo filme de Vicente Alves do Ó, realizador de «Quinze Pontos da Alma». Com estreia prevista para Fevereiro de 2012 e protagonizado por Dalila Carmo, Albano Jerónimo e Ivo Canelas, o filme é apresentado como um retrato íntimo de Florbela Espanca, uma das maiores poetisas portuguesas do século XX.

Eis o teaser, para aguçar o apetite:

Em cartaz: Semana 10/11/2011

2011-11-10T20:48:00.005Z

O Bom Coração, de Dagur Kari
Alta Golpada, de Brett Ratner
Inquietos, Gus Van Sant
Nos Idos de Março, de George Clooney
Sem Tempo, de Andrew Niccol
Histórias de Shanghai - Quem Me Dera Saber, de Jia Zhang-ke

Os Amantes da Ponte Nova, de Leos Carax (1991)

2011-11-07T22:07:00.000Z

Outro dos nomes que está a ser homenageado na presente edição do Estoril & Lisbon Film Festival é Leos Carax, cineasta francês com escassa obra (quatro longas e cinco curtas em 30 anos de carreira, desde «Strangulation Blues», a primeira curta, realizada em 1980) mas com um enorme culto. Razão mais do que suficiente para aproveitar e ver um ou outro título seu.

Protagonizado por Juliette Binoche e Denis Lavant, o filme retrata a história de Alex, um vagabundo que vive na Ponte Neuf de Paris durante as obras de restauração da ponte, que se apaixona por uma jovem pintora, também sem-abrigo, que um dia aparece na ponte e tem como particularidade sofrer de uma doença que poderá torná-la cega dentro de pouco tempo. Ao longo do filme vamos vivendo com esta dupla uma história de amor entre duas pessoas inadaptadas que acaba por ter um destino trágico quando Alex descobre um pouco mais sobre o passado da sua companheira e a separação está iminente.

Além de ser uma bela história, com duas grandes interpretações, «Os Amantes da Ponte Nova» tem alguns pontos de contacto com a longa de estreia de Leos Carax, «Boy Meets Girl»: a personagem principal é interpretada pelo mesmo actor, ambas têm o mesmo nome, toma medicamentos semelhantes e vive o amor de uma forma bastante forte. Denis Lavant é, aliás, presença constante na obra de Carax e volta a ter aqui uma grande presença neste caso.

Não conhecendo a restante obra do realizador, apenas assisti ao já referido «Boy Meets Girl» e a «Merde», um dos três episódios do filme colectivo «Tóquio!», deu para reparar que Carax gosta de filmar personagens à margem da sociedade. E em pelo menos dois dos filmes, histórias de amor complexas, com cenas muito belas. Na memória ficaram pelo menos duas, uma de «Boy Meets Girl» e outra de «Os Amantes da Ponte Nova»: no primeiro, quando Alex sai de casa com um antepassado dos velhinhos leitores de cassetes e enquanto ouve uma música de David Bowie («When I Live My Dream», banda sonora desta semana, ali ao lado) cruza-se com um casal que se beija numa ponte e em paralelo a personagem feminina dança no seu quarto (pode ser vista aqui); em «Os Amantes da Ponte Nova» é também uma cena passada numa ponte, quando o par dança pela primeira vez, durante um fogo de artifício que abrilhanta os céus de uma Paris nocturna (a cena pode ser vista aqui). Para quem não conhece, a obra de Leos Carax merece ser conhecida.

Nota: 4/5

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Banda Sonora: When I Live My Dream, de David Bowie

2011-11-07T19:29:00.002Z

«When I Live My Dream», de David Bowie - Banda Sonora de «Boy Meets Girl», de Leos Carax

Killer Joe, de William Friedkin (2011)

2011-11-06T10:10:00.008Z

Longe vão os dias de ouro da carreira de William Friedkin, autor de dois grandes clássicos dos anos 1970: «Os Incorruptíveis Contra a Droga» e «O Exorcista», este um filme que apesar de ter influenciado bastante cineastas da área do terror acabou por ficar datado. A última vez que um filme de Friedkin chegou ao cinema foi em 2006, com o estranho «Bug». Este ano regressou com «Killer Joe», que, tal como o anterior, é baseado numa peça de teatro da autoria de Tracy Letts. Mas desta vez o resultado final é mais acessível.

O filme conta a história de uma família do Texas que vive num parque de roulotes e cujo filho Chris (Emile Hirsch) convence o pai Ansel (Thomas Haden Church) a matar a sua mãe, que não vive com eles, para assim conseguirem ter direito a um seguro de vida que será entregue à filha mais nova do casal Dottie (Juno Temple). Para tratarem do assunto contratam Joe Cooper (Matthew McConaughey), também conhecido como Killer Joe, um polícia corrupto e com poucos escrúpulos que tem uma carreira de assassino profissional nas horas vagas. Mas, como seria de esperar, nem tudo corre como previsto e a falta de dinheiro para pagar o contrato coloca a jovem Dottie no meio da trama, como caução. A relação entre Dottie e Joe acaba por espoletar o resto do filme, que oscila entre a comédia e o drama para contar a história das relações bastante peculiares de uma família e um grupo de pessoas que não tem onde cair morta e faz tudo por dinheiro.

Sendo baseado numa peça de teatro, nota-se também alguma teatralidade em «Killer Joe», o filme, sobretudo quando se tratam de cenas passadas na casa da família. A principal diferença em relação a «Bug» é a presença de um maior número de personagens em cena. E, tal como no anterior filme de Friedkin, as interpretações são o ponto forte, com grande destaque para Matthew McConaughey, muito, mas mesmo muito longe daquilo que estamos habituados a ver, e Thomas Haden Church, num daqueles papéis que irá ficar para sempre na memória de quem vir «Killer Joe». Não será um dos melhores filmes de sempre, mas é muito provavelmente o melhor filme de William Friedkin, cineasta que está a ser alvo de uma homenagem na edição deste ano do Estoril & Lisbon Film Festival, em muitos anos.

Nota: 4/5

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Eragon, de Stefen Fangmeier (2006)

2011-11-05T09:38:00.006Z

Quando «Eragon» chegou às salas de cinema, já a versão da trilogia «O Senhor dos Anéis» filmada por Peter Jackson tinha alguns aninhos. Curiosamente, o livro que serve de base a este filme foi publicado pelo então jovem Christopher Paolini no ano em que estreou o terceiro capítulo daquela saga. Mas o único ponto de contacto entre as duas obras é apenas o facto de decorrerem num universo fantástico. A história é um pouco diferente. Eragon é um jovem camponês que encontra um misterioso objecto numa das suas idas à floresta. Passados alguns dias descobre que esse objecto é um ovo de dragão e começam aqui as suas aventuras.

Encabeçado por um elenco com nomes sonantes (Jeremy Irons, Robert Carlyle, John Malkovich ou Djimon Hounsou), «Eragon» não é tão grandioso como a trilogia de Peter Jackson, mas acaba por ser um filme que até se vê bem. A história é chapa 4: o herói fica sem família e é o escolhido para levar a cabo uma missão onde tem de derrotar uma ameaça do passado na companhia de um grupo de guerreiros e mágicos. O principal defeito do filme, contudo, é a falta de espessura das personagens, pois o argumento de Peter Buchman não nos dá suficiente informação sobre o passado das mesmas. O que, com um elenco destes, é pena. Os actores quase não têm oportunidade de se expandir. Não sei se o objectivo seria aprofundá-las em sequelas, mas estas nunca chegaram a ser feitas e pelos vistos não há planos para o fazer, apesar do sucesso dos livros de Christopher Paolini. O próprio actor principal (Ed Speleers, no seu primeiro papel no cinema) ainda não demonstra muito à vontade neste papel.

Pelo contrário, onde Stefen Fangmeier marca pontos é no campo dos efeitos especiais, que não ficam atrás de outros filmes dentro deste género. O facto de a especialidade do realizador, que tem em «Eragon» o seu filme de estreia na cadeira de realizador, ser originário desta área talvez seja a justificação para que a melhor parte seja mesmo esta. A forma como o dragão interage com as restantes personagens e a batalha final estão muito bem conseguidos. Faltou o resto para que este fosse o primeiro filme de mais uma trilogia de sucesso.

Nota: 3/5

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Dois anos

2011-11-04T09:44:00.004Z

Passam bastante depressa. E cá estou eu a comemorar o segundo aniversário do blogue. Não sei bem como é que cheguei aqui, nem se vou continuar. Como devem ter reparado, nas últimas semanas as actualizações foram escassas. A falta de tempo, um pouco de preguiça e dúvidas em manter ou não este espaço têm sido os principais responsáveis por esta paragem. Já tinha acontecido no passado e provavelmente esta fase irá ser ultrapassada, mais dia, menos dia. Até porque não tenho estado necessariamente parado na blogosfera. Criei um outro blogue (aqui), um pouco mais pessoal e onde falo de tudo, incluindo cinema.

Lembro-me que quando criei «A Última Sessão» fi-lo por duas razões: porque gosto de Cinema e porque gosto de escrever. Estas duas paixões, felizmente, continuam vivas. Por isso, penso que vou voltar a actualizar o blogue com alguma regularidade, só ainda não sei em que moldes. Quero aproveitar esta data para agradecer aos meus seguidores (50, segundo o contador ali ao lado, número que me deixa bastante contente) e a todos os visitantes do blogue. Sem vocês, muito provavelmente já o tinha encerrado. Mas acho que passado algum tempo e quando vemos que temos pessoas que nos acompanham e gostam do nosso trabalho, temos a 'obrigação' de os respeitar. Mais uma razão para este espaço regressar em breve aos eixos.

Aproveito também para agradecer a quem me segue no Facebook, assim como a todas as pessoas que tenho conhecido por lá, nomeadamente no grupo dos bloggers cinéfilos, algumas das quais têm sido companheiras de sessões que combinamos regularmente. Penso que não vale a pena referir nomes, porque vocês sabem quem são. E como esta mensagem já está demasiado grande, resta-me acabar por desejar parabéns a mim e que venham mais aniversários para comemorarmos aqui. Obrigado a todos e até já!

Banda Sonora: Stuck On The Puzzle, de Alex Turner

2011-10-16T18:21:00.002+01:00

«Stuck On The Puzzle», de Alex Turner - Banda Sonora de «Submarino», de Richard Ayoade

Banda Sonora: It's A Long Way To The Top, de AC/DC

2011-10-03T22:07:00.002+01:00

«It's A Long Way To The Top», de AC/DC - Banda Sonora de «Escola de Rock», de Richard Linklater

Em Cartaz: Semana 29/09/2011

2011-09-29T19:19:00.003+01:00

O Último Reduto, de Jonathan English
A Casa dos Sonhos, de Jim Sheridan
Os Famosos e os Duendes da Morte + Voodoo, de Esmir Filho
Millennium 3 - A Rainha no Palácio das Correntes de Ar, de Daniel Alfredson
Os Bem-Amados, de Christophe Honoré

Banda Sonora: Tenuousness, de Andrew Bird

2011-09-26T19:41:00.002+01:00

«Tenuousness», de Andrew Bird - Banda Sonora de «Amor, Estúpido e Louco», de Glenn Ficarra e John Requa

Belle du jour: Marion Cotillard

2011-09-25T10:18:00.002+01:00

Marion Cotillard, em «Meia Noite em Paris», de Woody Allen

Maus como as cobras: Mephistopheles

2011-09-24T09:15:00.001+01:00

Mephistopheles (Michel Simon), em «O Preço da Juventude», de René Clair

Frase(s) que marcam um filme: Rubber - Pneu, de Quentin Dupieux (2010))

2011-09-23T09:19:00.001+01:00

Lieutenant Chad: In the Steven Spielberg movie E.T., why is the alien brown? No reason. In Love Story, why do the two characters fall madly in love with each other? No reason. In Oliver Stone's JFK, why is the President suddenly assassinated by some stranger? No reason. In the excellent Chain Saw Massacre by Tobe Hooper, why don't we ever see the characters go to the bathroom or wash their hands like people do in real life? Absolutely no reason. Worse, in The Pianist by Polanski, how come this guy has to hide and live like a bum when he plays the piano so well? Once again the answer is, no reason. I could go on for hours with more examples. The list is endless. You probably never gave it a thought, but all great films, without exception, contain an important element of no reason. And you know why? Because life itself is filled with no reason. Why can't we see the air all around us? No reason. Why are we always thinking? No reason. Why do some people love sausages and other people hate sausages? No fucking reason.
Cop Xavier: Come on! Don't waste your time explaining that garbage. Let's go!
Lieutenant Chad: Just a minute, let me finish. Ladies, gentlemen, the film you are about to see today is an homage to the "no reason" - that most powerful element of style.

Em Cartaz: Semana 22/09/2011

2011-09-22T20:04:00.003+01:00

Amor, Estúpido e Louco, de Glenn Ficarra e John Requa
Killer Elite - O Confronto, de Gary McKendry
O Caçador de Trolls, de Andre Øvredal
Post Mortem, de Pablo Larraín
A Morte de Carlos Gardel, de Solveig Nordlund
Os Olhos de Julia, de Guillem Morales
Uivo, de Rob Epstein e Jeffrey Friedman

Um filme, vários posters: Vidas Privadas, de Todd Field (2006)

2011-09-21T18:38:00.003+01:00

Alemanha

Canadá

EUA

França

México

Quando o Cinema inspira videoclips: Black Mirror, de Arcade Fire

2011-09-20T19:21:00.003+01:00

Música: «Black Mirror»
Artista: Arcade Fire
Álbum: «Neon Bible»
Ano: 2007
Realizador: Olivier Groulx e Tracy Maurice
Inspiração: Cinema Mudo

Para quem quiser, há uma versão interactiva deste vídeo, que permite interagir com os elementos da música. Esta excelente experiência, algo que a banda canadiana nos tem vindo a habituar a cada novo álbum lançado, foi feita por Vincent Morisset e pode ser vista aqui.

Banda Sonora: Glory Box, de John Martyn

2011-09-19T19:16:00.002+01:00

«Glory Box», de John Martyn - Banda Sonora de «Colombiana», de Olivier Megaton

A Última Sessão fora de portas: Os 10 Filmes da Minha Vida

2011-09-18T14:50:00.002+01:00

A minha mais recente participação em iniciativas promovidas por outros bloggers já está on-line. Desta vez o convite partiu do blogue «Keyzer Soze's Place», do Sam (que nada tem a ver com a rubrica com o mesmo nome da edição portuguesa da revista Total Film), que pediu a vários autores de blogues de Cinema e não só que apresentassem a lista dos 10 filmes da nossa vida. Como todas as listas, seja de que tema for, esta é um pouco subjectiva e reflecte um conjunto de obras que me marcaram por uma ou outra razão específica e poderão muito bem mudar numa outra altura da minha vida. Por enquanto, aquela dezena de títulos é a que mais me diz enquanto cinéfilo. Podem consultá-la aqui e quem não conhecer o blogue do Sam, aconselho-o vivamente.

Belle du jour: Diane Keaton

2011-09-18T11:20:00.000+01:00

Diane Keaton, em «Nem Guerra, Nem Paz», de Woody Allen

Maus como as cobras: Connor Rooney e Harlen Maguire

2011-09-17T09:39:00.004+01:00

Connor Rooney (Daniel Craig), em «Caminho Para Perdição», de Sam Mendes

Harlen Maguire (Jude Law), em «Caminho Para Perdição», de Sam Mendes

Em Cartaz: Semana 15/09/2011

2011-09-15T19:58:00.001+01:00

Cuidado Com o Que Desejas, de David Dobkin
Spy Kids 4D - Todo o Tempo do Mundo, de Robert Rodriguez
Meia-Noite Em Paris, de Woody Allen